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Mahavishnu Orchestra (1971 - 1986)

La orquesta Mahavishnu y su fuerte arraigo en autores de valía;

Mitológicas son sus hazañas en pleno fuero progresivo... que tras sus paso los por los telones antagonistas agenciaban su condecorada nombradía en la destreza instrumental, movimientos específicos que recelaban su deja vú norte americano.

No creaban nada nuevo por aquellos lares de cultura interconectada, pero sin duda acrecentaban el arraigo alacre del desamparado afro americano... (que entre nosotros su supervivencia estaba sentenciada) tras sus constantes intentos de “renovación” dirigiéndose hacia el acostumbrado descalabro.

¿Qué hubiese pasado si el término progresivo no hubiese aflorado en la sociedad de vanguardia?, ¿habría nuevas tendencias en el ambiente jazzístico sin las nuevas experimentaciones?.

En mi opinión el progreso alucinógeno fue el paraje confortable de las nuevas generaciones acolitas al suceso incentivado, las industrias en su visión desatina promocionaban lo que por antonomasia rige la conjetura de la calidad interpretativa, música compleja con mensajes inconexos que lucían en el estricto margen comercial que tan osadamente castigaban a los sucedáneos, era perdida que no se consigue avistar factiblemente en el lienzo del aciago horizonte de gloria vetusta... en su día respaldada por la ecuánime prole musical que con su fuerte apetito avanzaban hacia el desglose notal de alta esfera perseverante, reminiscencias de antiguas concepciones de estadía, piezas intemporales que instigan hacia el altozano emplazamiento inestable y empírico... tablas remozadas del clamor escueto y reducido entre loas caducas de patrióticas simbiosis.
              

Su proyecto era el comienzo del profeso germen que acontecía en los festivales incisorios, agrupaciones promulgadas sagazmente entre el boca a boca, murmurando su apacible cortejo elocuente tan solicitado por el género masculino prominente, sin duda el mejor mecanismo que nutre a los grandes alarifes deudores de la comisura institucional.

Entre esta guisa de sospechas, despuntaba el cuarteto probo y multirracial; conformado por el legendario y benevolente John McLaughlin, el graduado Jerry Goodman, el Newyorkino glamoroso “Billy Cobhan" (gran absorvente del movimiento en tiempos dedicados), el perfeccionista enojo “Jam Hammer” así como el insurgente Rick Laird, gran avezado de la guitarra baja.

Remontándonos hacía el año 1970, Miles Davis en pleno receso personal, perfilaría su estilo intimista, antipático así como tímido y escueto cariz personal que tanto se le repercute, bien afianzado en el prodigioso registro “Bitches Brew” “Fábrica de Putas”, delirando con certeza en su dejado estilo de vida... fue allí, en las sesiones de estudio donde la supremacía de Cobham y Mclaughlin acrecentara sus intenciones de proyectos futuros, en aquel Electric Ladyland el aura sagaz repercutió en la notable autoría jam, consiguiéndo la inverosímil tonalidad dorada... millones de copias surcaban los océanos del crucero armónico, rompiendo los esquemas para los bisoños perceptores de las ondas hertzianas.

En tiempo de permisión cosmopolita, los integrantes de diversas nacionalidades idearon un proyecto de aunar las características básicas que debían de proceder en las raíces vernáculas, el Jazz Newyorkino de Cobham, el folclore refinado irlandés de Mclaughlin asi como el empecinado impresionismo checo de Hammer, abundaba la acciones participativas reseñables por las que encauzaban los ideales prominentes.

Su primera obra ambiciosa y maestra se publicó en 1971, “The Inner Mounting Flame”, bajo el nombre de Mahavishnu Orchestra a favor de su gran asociado gurú espiritual “Sri Chinmoy”... gran consejero mantra, cognoscitivo de sus ideas pacifistas y videntes por las que el cuarteto se regía de forma mundana.

Grabado en los estudios de la CBS, adalid de la progresión sinfónica sin remedio, afianzaba las bases del género otorgado. Bajo la consistencia que marcaba el elenco se trataba de redimir el ajetreo en la custodia y agrego de 2 personajes primordiales; Don Puluse y Robert Honablue, ambos músicos de estudio, quizás su aporte transcurría en la nadería insignificante pero avocaban el partícipe fundamento y perfilado del correcto trabajo comunitario.

El ábum fue un éxito másivo, así como precursor de la nueva ola futura, por la que pasarían grandes de la esfera jazzista, apostando en una última tirada sus preclaros trabajos armónicos, sirviendo como incentivo para su segunda sesión “Birds of Fire”, tras dos largos años de subversivas giras por todo el globo terrestre... como un lustro de autocomplacencia vigorizada inexorablemente en la visión tenaz del pueblo discípulo.

El ímpetu abstracto de John engrandeció en la obra que reiteramos, elementos hinduistas y andaluces se nutren del esquema corporativo... destacando como siempre los elementos básicos que cataloga su distinguido céfiro subjetivo... el dogma laicista continúa en esta obra encrespada de conmoción vigente.

Actos perversos surgirían modestamente... encareciendo el mal ambiente entre el compuesto extracto... detracciones, reproches y vituperios afloraban en los Trident Studios, emplazamiento londinense en el cual el boceto profuso prosperaba...

Era común en mitad de las grabaciones los motines de Hammer, de cara a cara se enfrentaban los grandes cooperantes de la nueva fusión esculpida, concluyendo finalmente en la inconclusa íntegridad de la tercera obra magnificente “The Lost Trident Sessions” de 1973, siendo liberada en 1999 por tal propósito inmundo.

Todo fue diferente desde aquellos encuentros, quizás la gira apaciguaba el entorno de dolorosa abyección, sirviendo el juego pacifista para el sellado de su último directo como cimiento fundador y primerizo, “Between Nothingness and Eternity” de 1973.

Los malos modos de John, su excesiva soberbia idealizada como el líder supremo por presunción, causó la marcha de todo el equipo.

El mágico enamorado de la España flamenca, se quedó absolutamente aislado, optando por la determinación de replantear la línea compositora instaurando su propio califato, ahora sí, como adalid incuestionable achacando su postura omisiva al suceso receloso de sus ex compañeros zaheridos... subestimados musicales.

Urdiendo lentamente su composiciones, enrola en cuestión de días a grandes versados capaces de adaptarse a su irreverente comunidad.

2ª-Formación;

John McLaughlin; Guitarras.
Gayle Moran; Teclados, Voces.
Jean-Luc Ponty; Violín Eléctrico.
Ralphe Armstrong; Bajo, Voces.
Narada Michael Walden; Batería y Percusión.

A prueba de bombas, los integrantes de la nueva performance acontecían en la sinecura del quinto engendro en conjunción con la filarmónica de Londres dirigida por Michael Tilson Thomas, gran amigo del ídolo incandescente del que me comprometo.

Mclauglin en plan irónico y jocoso bautizó el señuelo bajo la lógica desesperación airada “Apocalypse” de 1974 con la producción sagrada de George Martin, confirmando las ínfimas sospechas... un trabajo inefable que nos sumerge hacia el universo onírico de la temprana sinfonía progresiva, remarcando su estatus frente a los súbditos que desertaron... realmente él era el compositor de la eufónica orquesta, la deidad innata de la banda al que todos le debían su esperada sumisión como talante y preámbulo vivificado.

El ditirambo de su admisible talento como compositor ocluyó tras “Visions of the Emerald Beyond Full-Length” de 1975 e “Inner Worlds” del 76... pudiéndose equiparar a su larga estela como solista... consiguiendo su fama patente en la encomiable estela instintiva... Paco de Lucia, Carlos Santana, Al Di Meola y un sinfín de artistas relacionados al universo concernido delimitan mi postula, así como mi próvido veredicto.

Un Saludo Camaradas; Sergio Bujez.



Exposición Discográfica:

1-Mahavishnu Orchestra - The Inner Mounting Flame (1971).

                                          

                                              



2-Mahavishnu Orchestra - Birds Of Fire (1972)


                                                





3-Mahavishnu Orchestra -The Lost Trident Sessions (1973)



                                             





4-Mahavishnu Orchestra-Between Nothingness & Eternity (1973)

                                              





5-Mahavishnu Orchestra-Apocalypse (1974)

                                            







6-Mahavishnu Orchestra-Visions Of The Emerald Beyond (1975)




                                            




7-Mahavishnu Orchestra (John McLaughlin)-Inner Worlds (1976)

                                     

                                           




8-Mahavishnu Orchestra (John McLaughlin)-Mahavishnu (1984)
http://bit.ly/1AoSG0m





9-Mahavishnu Orchestra (John McLaughlin)-Adventures In Radioland (1986)

                                   
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Elvin Jones - Poly Currents (1969)

Elvin Jones - Poly Currents (1969).

PARA DESCARGAR ESTE DISCO VISITAD NUESTRO OTRO BLOG DEDICADO EXCLUSIVAMENTE A LA MÚSICA JAZZ...  EN SU RECIÉN APERTURA, INTENTAREMOS DAR CABIDA A LAS ARMONÍAS AFROAMERICANAS DE FORMA ESTABLE Y AMENA... (TENEMOS SECCIONES DE PREPARACIÓN DE COCTELES RELACIONADOS CON EL GÉNERO, APARTADOS ANECDÓTICOS DESTACADOS EN EL CHICAGO PIONERO, PELÍCULAS, Y UN SIN FÍN DE CURIOSIDADES MÁS), JUSTAMENTE DEDICADO A LOS APASIONADOS DE LOS TRAZOS NORTE AMERICANOS.

Nuestro Blog de Jazz; http://diasdejazz.blogspot.com.es/

Camaradas, os debo de decir que tras una extenso razonamiento, he decidido continuar yo sólo con este blog dedicado a las armonías new yorkinas como algo realmente secundario a otros proyectos en curso (aunque mi compañero Juan se quiera tomar las cosas con más calma, no quiere decir que haya desertado de manera definitiva), no han sido pocos los que nos han mandado mensajes de fuerte apoyo, textos en agradecimiento, así como opiniones francas que relatan la composición del blog...

Además nos sorprendimos ante el pequeño pero constante registro de visitas diarias, y eso que tan sólo hay publicadas 3 entradas... algo que nos ha servido como un gran incentivo logrando recobrar el trabajo que ya creíamos “amodorrado”.
                                             ISBD: Blue Note /BST 84331 / US

La caída de las hojas así como la cellisca irreverente e inaudita se acerca, y como siempre somos dirigidos hacia el más condecoro paisajístico en conjunción de melifluas canciones que nos amenizan de forma expuesta y sagaz la larga estela contemplativa... alejándonos con mesura instantánea de la mundana monotonía que se instaura entre los ciudadanos sumergidos, como un acto de presunción y fragancia omnisciente del que posee el rasgo entusiasta inherente hacia el ducho perpetuo, instigador profeso del habitat ocioso y holgado.

Siguiendo el sendero de las armonías sincopadas, volvemos a recaer en la notable autoría de este adalid insurgente, dando fuerza de conformidad a sus majestuosos y fructíferos proyectos de estudio, reglados al canon factible, pero paradójicamente de contacto angosto con el olvido e ingratitud multitudinaria.

Esta vez avanzaremos por el recorrido de “Poly Currents”, título curioso que destaca el afecto e integridad categórica personal de nuestro renombrado opulento en periodos de receso estilístico, un gran estado de desconfianza que ponía en dudas el futuro incierto del gran género distinguido.

Si bien las tendencias musicales afro americanas estaban "Instauradas y definidas" se abrían introvertidamente hacia otros ámbitos escénicos... de ahí surgió la fusión y sus variantes modales, no era nada raro percibir en un macro festival de la talla "Isle of Wight", con su cerca el millón de espectadores a grandes iconos de color incentivando hacia las nuevas corrientes, obviamente interactuando con la mayoría en un proceso vigoroso y suspicaz , con afán del desarrollo y progreso polifónico de las castizas razas involucradas en las eufonías naturales.



Elvin Jones fue uno de ellos, un visionario más de los que supieron adaptarse hacia los cambios de progresía avenencia que acontecían en la alta esfera vanguardistica como un asiduo canje de periodos ambiguos. 

Su don irrefrenable en la percusión lozana así como su cariz lúcido de indulgencia empírica,  lo condujo hacia la consagración entre círculos versados, siendo frecuentes sus participaciones y encuentros en salas reputadas del Brooklyn más cosmopolita, ahora si, como líder supremo… abastecía el apetito de masas y el dictamen consustancial de las críticas afamadas independientes. 

·    Elvin Jones; Batería
·    Fred Tompkins; Flauta
·    George Coleman; Saxofón tenor.
·    Joe Farrell; Flauta Inglesa, flauta, bass flute
·    Pepper Adams; Saxofón Baritono.
·    Wilbur Little - bass
·    Candido Camero; Congos

Sublimada como un boceto impreciso que incoaba en uno de sus milésimos recitales, rodeado de un gran comisivo experimentado una noche de magia irreverente en los endiosados estudios “Blue Notel” del gran productor “Francis Wolff” (gran precursor del póstumo registro en el ambiente jazzístico), donde se objetó la maravilla en la nos convergemos, “Diferentes Corrientes” de 1969, destaca la notable influencia del ambiente alucinógeno foráneo que tras líneas divisorias, seducía el afecto de pluralidad etnográfica…  era liderada sutilmente por la templanza y estima de Miles Davis… el heterodoxo vinculo primordial del tal suceso incentivo.


La prodigiosa invención armiña divagó hacia un glose pragmático e irreverente que columbra en una enervada propuesta otoñal de trama “bebobiana" de la era prudente (hard bebop)”, escindiéndose en cinco arduas y ambiciosas pistas que denotan un viso etéreo y tangible promoviendo la amenidad contribuida con gran exaltación del entorno elogio… 39 minutos lacónicos que merodean nuestro subconsciente de diligencia escucha.










1.    "Agenda" (Elvin Jones) - 13:50
2.    "Agappe Love" (Joe Farrell) - 5:52
3.    "Mr. Jones" (Jones) - 7:37
4.    "Yes" (Fred Tompkins) - 2:23
5.    "Whew" (Wilbur Little) - 9:34


Vientos y cuerdas en difusión sustancial de afecto retórico penetran en nuestro designio distinguido, bajo la cadencia impulsiva de caja y chaston que rige por antonomasia la línea evolutiva de la pista como efecto antagonista, escuetamente aderezada por percusión africana de congas y djembes, tras los ineludibles espacios preponderantes de ejecución individual (solos) de nuestro señero rítmico.


Un álbum majestuoso y, de gran contexto vivaz que nos aduce en el vestigio extemporáneo de la simbiosis armonía libre… como una gran dádiva de vanguardia que todavía sigue vigente entre los imperecederos “carrozas” del cónclave más cognitivo y sibarita… intentado recalar entre la multitud desde este nuestro democrático recinto cibernético.


Disfruten pues camaradas de esta maravilla antológica consabida. Sergio Bujez.





                                               



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Lone Star (1966 - 2014)

LONE STAR, LARGA TRAVESÍA A CONTRACORRIENTE.

Con la colaboración de Cecilio Aguilera Nieto

Si existe en España un grupo homologable a las bandas inglesas de los años 60 y 70 este es Lone Star. Liderados por el cantante y pianista barcelonés Pere Gené que volvió de Londres con la carrera de piano en 1961 y en vez de dedicarse a la música clásica vino infectado con el virus del rock and roll.

Con sus compañeros Enrique López a la batería, Willy Nab a la guitarra, sustituido al poco tiempo por Jan Miró y Rafael de la Vega al bajo, empezaron a tocar en 1962 en la “Cava de Jazz Jamboree” y el “Texas” locales frecuentados por los marineros de la “Navy”, como The Beatles en Hamburgo.
Su ejecución de los temas era tan superior a los demás grupos que enseguida fueron fichados por la multinacional EMI, lo que la discográfica les ofreció era versionar en español los éxitos de su extenso catálogo.
SSe grababan EP, discos de cuatro canciones con éxitos, ingleses o americanos y con alguna canción sudamericana o italiana, en su tercer disco ya apareció una canción de The Beatles, en el cuarto consiguieron meter una composición propia “Peggy y en su sexto dieron un gran pelotazo con “La casa del sol naciente” que se vendió, en España y Sudamérica, más que la de Animals de la que era versión. La EMI aprovechó el éxito para organizar un concierto de Lone Star y The Animals en el Palacio de los deportes de Barcelona, posiblemente la primera vez que un grupo de rock internacional visitaba España. Otra versión exitosa de Animals fue “Comprensión” también versionearon “Satisfaccion” de los Stones y “Mi generación” de Who con un curioso estribillo que decía “Mi generación no para”.
http://youtu.be/7QxUQx7KerM
Conforme transcurrían los años 60 la EMI quiso especializar a los grupos barceloneses en versionadores mientras confiaba en los madrileños, Brincos y Bravos para las canciones propias. En Barcelona estaban Los Mustang, encargados de las canciones de The Beatles y Los Salvajes para Rolling Stones por lo que quisieron que Lone Star se encargara de Animals, Who, Kinks y Manfred Man. Pero ellos aspiraban a independizarse con su música como consiguieron Los Sirex.

En su sexto EP, en 1966, tuvieron un éxito con “La leyenda” una canción que hoy no pasaría una homologación roquera, mas bien parece una balada entre rusa y sudamericana, luego fueron enlazando éxitos propios con alguna versión en inglés, el siguiente fue “La fiesta”, una auténtica pachangada al espejo de “Obladi oblada”. Esta fue una característica del grupo, tenía caras A comerciales y bailables para guateques y dejaban las caras B para las canciones más roqueras o en inglés donde podían desarrollar mejor su talento.
En 1967 empezaron a compaginar sus actuaciones pop con conciertos de jazz, algo completamente inaudito para la época en ningún grupo de ningún sitio, con Pere al piano y Juan Miró al vibráfono y grabaron “Lone Star en jazz” en 1968. http://youtu.be/r5aSyt9ep7I.

Este mismo año salió su mayor éxito pop de los 60 “Mi calle”, una gran canción, muy pegadiza con letra de temática social, con algún grito roquero y ese sonido que se instauró en España intentando adaptar el rock progresivo en su parte más sinfónica según Moody Blues (sonido Trabuchelli). Repitieron la fórmula con “La trilogía” una canción de temática religiosa, donde Gené nos muestra su original forma de componer letras, sin dobleces con algo de ingenuidad, abordando temas trascendentes en la vida del ser humano, algo en lo que se mantendría en toda su carrera. Y otro éxito de esta forma musical fue “Laya” una canción que pasa, sin solución de continuidad de la balada pegadiza, de bailar agarrado en guateques, al rock progresivo con guitarra incisiva.

http://youtu.be/tSGfUzrsWLw
http://youtu.be/2QWD-8oLJOY
http://youtu.be/I9Z8vnpyaEs



Recopilando canciones de sus EPs y singles al 50% versiones y canciones propias van armando sus LPs. En 1966 sale el primero, con el nombre del grupo recopilando sus últimos EPs. En 1967 sale su segundo llamado “Un conjunto con antología” donde recopilan éxitos anteriores como “La casa del sol naciente” y sus últimos singles. En 1968 sale “Vuelve el rock” donde se centran en versiones del rock clásico de los años 50 y rhytnh blues. Y el ya mencionado álbum de jazz.
Al final de la década cambian algunos componentes se incorpora Sebastián Sospedra, bajista proveniente de Los Salvajes. Enrique López abandona el grupo para dedicarse a la docencia musical y fue sustituido por Luis Mandeu.

En 1970 abordan una gran gira por Centroeuropa de la que se grabó un disco en directo “Springt 70”, todo cantado en inglés, algo poco común en un grupo español de la época. Sus compañeros de generación, los conjuntos de los 60, se fueron disolviendo, solo Miguel Ríos, hizo con ellos, el camino de pasar del pop de los 60 al rock de los 70.

Se desvinculan de EMI y graban un single de éxito con su propia compañía discográfica UNIC con las canciones “Chica solitaria” y “My sweet Marlene” donde repiten su formula de balada pegadiza con arreglos progresivos en la cara A y canción roquera en inglés para la cara B. Su gran prestigio como grandes músicos de rock y jazz les abre las puertas de los escenarios más extraños y exclusivos como el Palau de la Música de Barcelona, por primera vez para el rock, y en el portaviones americano John Fitzgeral Kenedy.

En 1972 abordan su primer LP considerado como obra conceptual y no como mera recopilación de singles. Inaugurando el llamado rock urbano en España que combinaba elementos del rock duro y del progresivo, este gran disco se llamó “Es largo el camino” del que destaca el tema “Pájaro de fuego” en el que se pasa del rock al jazz, sin solución de continuidad, comos si fueran ELP o King Crimson, además Miró incluye su vibráfono jazzistico en varios temas.

En el mismo año también graban un disco de rock duro en directo, en inglés y español, llamado “Adelante rock en vivo” del se extrajo el single “Canta conmigo el rock and roll". Destaca el tema "Adelante", toda una reivindicación de dignidad roquera. También en este disco rebajaban la fuerza con relajantes solos de vibráfono de Miró que también se luce como gran guitarrista de blues en el tema "Up the highway".

http://youtu.be/vJsot9UUyOU
http://youtu.be/jizqdt4wRW4
http://youtu.be/Td5c8_qFQHg

No vuelven ha grabar nada hasta un single en 1974 con una balada de temática social llamada “Pobre pescador” que incluye efectos de sonido del mar y violonchelo. Como siempre, el tema roquero en ingles para la cara B. En 1975 graban otro single con “El camino” y “Ashtar” dos temas arriesgados para este tipo de producto, demasiado progresivos y poco comerciales.
Juan Miró abandona el grupo y fue sustituido por el guitarrista Alex Sanchez que ya lo sustituyó durante su mili. La batería también se renueva con la incorporación José María Vilaseca “Tapi” procedente del grupo undergraund barcelonés Tapiman.

En 1976 fichan por una independiente Diplo Records Con su nueva casa graban uno de su mejores discos “Siguenos” que empieza con “El rock de la cárcel” del disco destacan una gran versión del clásico del goospel “Old man River” y el que fuera un gran himno del rock duro español “Oveja Negra” También incluyen por primera vez un tema en catalán. Estos dos últimos LPs cimentan el camino para la explosión de rock duro y urbano que surgió en Madrid con grupos como Asfalto, Topo y Leño abriendo la puerta a todo el heavy que vino después.
http://youtu.be/cxwf0ewLoI4
http://youtu.be/6-AeZ79E8mE
 En 1977 después de grabar un maxisingle en catalán, con una nueva compañía Phonics. Graban “Horizonte” un disco más oscuro y progresivo, con gran importancia de las letras de temática social. Y todas las letras en español.
En 1979 sacan el “Oveja Negra” con una nueva independiente madrileña Musivoz donde recuperan su anterior éxito y vuelven a hacer la mitad de los temas en inglés, del disco también destaca el tema “Bajo el sol”.

La movida los arrinconó, como sucedió en todo el mundo con los grupos de su edad. No obstante volvieron a grabar, en 1982, con una nueva discográfica Auvi y un nuevo bajista Jerónimo Martinez, el disco de rock duro “Viejo Lobo” que fue vapuleado por los modernos de la época pero que actualmente se considera como un objeto de culto. Con todos los temas en español y letras que reivindicaban la dignidad del roquero clásico como "En el año 62", pero con un sonido demasiado setentero para la época. La poca repercusión popular del grupo hizo que se disolvieran y algunos miembros volvieran a la docencia musical de la que procedían. Pere Gené se pasó a la publicidad. http://youtu.be/hnvQJq710jc.
El revivalismo ya en los años 90 los recupera ocasionalmente para apariciones en televisión y graban, con un nuevo bajista Jaume Rivera, en 1996 “Hacia el futuro” un disco con nueva versiones de sus viejos temas. Tras el disco reaparecen para una mini gira. En el concierto de presentación en Barcelona, cuentan con duetos de Pere con músicos más jóvenes que se declaran admiradores de los Star, Loquillo, Rosendo, Manolo García, Carlos Segarra y su viejo colega Teddy Bautista. Tras el disco reaparecen para una mini gira en Barcelona.
En el año 2010 se publico “Concierto Teatro Infanta Beatriz Madrid 1968”. El que se rescataba un concierto de su época más popular. Con la curiosidad de que el concierto tenía su parte de jazz al principio. http://youtu.be/5WyyDFSF-A4, http://youtu.be/XGqxnDyB3UM.

Aunque desde 1996 Pere no había vuelto a grabar nada, en 2014, con 74 años, se autoeditó, con el sitema crowdfunding, su primer disco en solitario. Apoyado por el mítico teclista Kitfus (Iceberg) para la producción. “Boomerang 2014” es un disco ecléctico que contiene todas las características que le acompañaron durante toda su carrera; letras en español y catalán, directas sin dobleces en las que aún permanece una cierta ingenuidad; compromiso social; melodías pegadizas de todos los estilos, incluso tiene una ranchera; rock duro y piano clásico. Destacan “El impasible” en la que vuelve a la temática religiosa después de 46 años, “Bona sort” y un himno por la independencia de Cataluña a dúo con la cantante Virgínia Martinez "Seremun nou país". Un bonito colofón para una gran travesía, siempre un poco extraña y a contracorriente.

Cecilio Aguilera Nieto.

Exposición Discográfica:

1-Lone Star-Lone Star (1966);



2-Lone Star-Un conjunto con antología (1967)



3-Lone Star-Vuelve El Rock (1968)




4-Lone Star-En Jazz (1968)




5-Lone Star-Spring 70 (1971)



6-Lone Star-Es largo el camino (1972)

                                              



7-Lone Star-Adelante rock en vivo (1973)
http://bit.ly/1uDndIV


 8-Lone Star-¡¡Síguenos!! (1976)

                                                          



9-Lone Star-Horizonte (1977)

                                                       



10-Lone Star-Oveja negra (1979)

                                                         



11-Lone Star-Viejo lobo (1982)
                                                       



 12-Lone Star-Hacia el futuro (1996)
                                                          

13-Concierto Teatro Infanta Beatriz Madrid 1968 (2010)

                                                       



14-Lone Star Lacitos (2014)

                                                        
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