• El Sumergible Neuronal

    Escribimos sobre música, cine, cultura, sociedad, meditación, juguetes, estilismo, juegos arcade., etc, en definitiva, todo aquello ligado a la generación 60-70 del siglo XX y derivados de la misma, que también involucran a la actualidad.

  • ¡Vive la generación dorada!

    Temática musical y coleccionismo en todo tipo de objetos de las décadas de 1960 y 1970 preferencialmente, época dorada del rock y el cenit de la música en todas sus vertientes, hasta la actualidad.

  • Género de Géneros

    Reseñas semanales dando a conocer los mejores discos extraídos de nuestras extensas colecciones discográficas

  • Sumergible Neuronal Films

    Cada semana una película de culto dedicada a la trídecada (60-70 y 80 hasta la actualidad), difícil de obtener y a la mejor calidad de imagen 720p-1080p

  • Juegos Retro

    Pasión por las máquinas arcade y sistemas de consolas generaciones precedentes hasta la actualidad

Caravan - In the Land of Grey and Pink (1971).

Caravan - In the Land of Grey and Pink (1971).


Álbum: In the Land of Grey and Pink
Año: 1971
Género: Rock Progresivo, Escena Canterbury, Rock Psicodélico, Jazz-Fusión
Nacionalidad: Londres, Inglaterra

Lista de temas:
Cara A:
  1. Golf Girl
  2. Winter Wine
  3. Love to Love You (And Tonight Pigs Will Fly)
  4. In the Land of Grey and Pink
Cara B:
  1. Nine Feet Underground
I.                    Nigel Blows a Tune
II.                 Love’s a Friend
III.               Make it 76
IV.              Dance of the Seven Paper Hankies
V.                 Hold Grandad by the Nose
VI.              Honest I Did!
VII.            Disassociation
VIII.         100% Proof


In the Land of Grey and Pink es el tercer LP de la banda inglesa Caravan.
La primera vez que lo escuché fue por casualidad; lo vi en la biblioteca y me gustó la portada y el nombre del grupo.
Cuando lo puse en el reproductor lo primero que sonó fue “Golf Girl”, y no fue la típica sensación de que te gusta porque suena a tal o porque suena a cual, sólo esas primeras notas ya me incitaron a seguir escuchando la pieza maestra que es este disco. El sonido de ésta primera canción es indescriptible, yo os hablaría de palmeras de plástico, islas flotantes y paraísos artificiales pero para entenderlo tendríais que estar de tripi y ahora no es el plan (o sí…).
El segundo tema “Winter Wine” también es una pieza digna de remarcar. Empieza con una guitarra acústica muy folk y la voz resonante de Pye Hastings, y unos segundos después explota en harmoniosos sonidos de color rosa clarito que ondean y gotean por tu mente. Lo más potente de este tema son los solos de flauta, guitarra y teclados que deja extasiado a cualquiera que lo escuche.
El disco en sí es una maravilla y las siguientes canciones no las voy a explicar, ya que esto es sólo un adelanto. Os dejaré juzgar por vosotros mismos cómo suena el álbum para que veáis que mi descripción es sólo lo que ha salido de mi mente al escucharlo…A ver qué sale de las vuestras!!!

Su hermosa portada fue dibujada por Anne Marie Anderson, la cual supo plasmar bastante bien el sonido del disco, el cual yo calificaría como fresco, acogedor, en ciertos momentos melancólico, vivo, plástico, viajero, loco, no lo sé…


Os recomiendo que le echéis un ojo ahora y sintáis lo que sentí yo al escucharlo, lo único que tenéis que hacer es abrir el link, cerrar los ojos, escuchar con atención y adentraros a vagar un rato por La Tierra Rosa y Gris.

Así empieza el disco... maravilloso.


- Caravan - In the Land of Grey and Pink (1971);





                                             



Share:

Fusioon (1972-2011).

Fusioon, la sensación permisiva entre elementos de ortodoxia y pasión:

Ya era hora... se hizo de rogar pero... finalmente llegó.

Fusioon, ¿qué puedo decir?, toda palabra denota brevedad, ante semejantes portentos, músicos que en su día les toco vivir un momento difícil, tras el vacío de inseguridad política-social, parapetado por millones de jóvenes que trataba de esquivar la realidad colectiva, ahondando en la música de tierras extranjeras, constituidos como la generación “Hippy-Progresista” recabando en la vanguardia cultural del folclore cantautor lírico con influencias en lo vernáculo... constituyentes del verdadero divulgador entre detracciones y diatribas, obviamente con la razón concebida. Sin duda un cambio de la España en “blanco y negro” hacia el maravilloso Color… tiempos en los que ansiosamente me hubiese gustado vivir... bajo las armonías de “Jarcha”, “Nuestro Pequeño Mundo”, “Aguaviva” y “Cecilia”, y sus consecuentes revoluciones notorias, cónclaves moderados entre compositores y adalides osados de las estructura impuesta, genios y figuras indiscutibles en la máxima expresión brevaria entre pujanzas londinenses.


Formado por Manel Camp, alma y compositor en teclados, Santi Arisa (batería), Martí Brunet (guitarra afamado experimental), Jordi Camp (Bajo), con colaboraciones puntuales de “Alfred Pla” y “Paco Chacón”… entre otros.
Nacidos en el barrio de Manresa (Barcelona), cuna de la vanguardia española por excelencia, si bien el dominio era regido por la música primita en concepción contracultural, hubo grandes genios que dieron un paso hacia delante, ante la propuesta consistente, tras los constantes destellos de lucidez entre “bases y aduanas", frontera limitante del espacio creativo… decreto del estupor confinado.


Tras reunirse después de su coincidencia en el “Conservatori Municipal de Música de Manresa”, (como continuación de su acerco pueril) decidieron inspeccionar en la música oriunda catalana, con el fin de ensamblar en un golpe directo las armonías populares del siglo XVIII y clásicas (Tchaikovsky) con las emergentes fuera del paredón, entrando rápidamente al circuito, debutando en el club San Jorge en 1970, para dar paso a una larga estela de bolos diarios en espacios ibicencos de la cercana Formentera (fécula idílica del género establecido… meca en modus “comuna”; escena involucrada entre simpatizantes de la talla de Pink Floyd, Daevid Allen, Pau Riba, Jimi Hendrix, etc y sus famosas hazañas inefables en espacios de zonas mercantiles y caseríos multitudinarios), Barcelona (Discoteca “Las Vegas”), inclusive en el extranjero (Brasil, Paris…), hasta recaer en el acontecimiento vital “el Festival de Granoller de mayo de 1971”, en el que dejaron buen sabor de boca, causando sensaciones entre la cómplice y restringida prole.


En 1972 tras fichar por Belter lograron publicar numerosos Eps , que no serian mas que la antesala hacia su primer trabajo homónimo del mismo año, “Fusioon”, donde se deja ver la pretenciosa cualidad del cuarteto en adaptar fórmulas establecidas en lo folclórico, mas allá de sus adustas fronteras, si bien avanzamos por el long play, podemos descifrar mensajes secretos, avisos de acciones futuras en las que constataría el segundo registro “Fusioon 2 de 1974” mejor conocido como la obra del “cocodrilo verde” un vinilo de inigualable belleza contextual, complejas tejeduras polifónicas, en su día hasta recomendado por un primerizo “Mike Oldfiels” que tras su percepción no dudó en expresar su colosal asombro y posible influencia temprana, para dar paso a su obra cumbre “Minorisa”  de 1975, un álbum catalogado “por los sabios tasadores, en inalcanzables cifras cuantiosas, transformándolo como el Lp consagrado hacia altos vuelos de disqueras y bazares, involucrando su enorme sensación permisiva entre elementos “de ortodoxia y pasión”... cadenas, arrastre de alpargatas de costaleros, campanas y lamentos… tras el soporte redoblante del tamboril vigía del orden armónico… el olor a incienso y pasos de la Santa Santa Andaluza se acerca en el cierre de la pista homónima del álbum, rigiendo la consecución hacia el trato de sintetizadores en un hecho notable, pudiendo aislar voces tonales de escaso prejuicio, Moog hipnotizador a la par de contratiempos en demasía a la labor de Santi tras un congenio servidumbre hacia una estridencia requinta propulsada por una guitarra baja en cadencia pretenciosa… pactos de fieras infravalorados en tierras nativas.


Os dejo con un comentario de José Ramón Pardo (periodista musical del ABC, amigo inseparable de Jose María Iñigo)... que a mi parecer, resume lo dicho;

“Música complicada que requiere del oyente una cultura musical amplia y una complicidad más amplia aún. Fusión -esta vez con una sola o- de ingredientes exquisitos para paladares entrenados”.

                    


Damas y Caballeros... Que pasen una buena Semana Santa.



Fusioon-Fusioon (1972)
BP/ 75.020/ Spain


                                                                      


Fusioon-Fusioon 2 (1974)
BP/ 22.809/ Spain



                                                                     


Fusioon-Minorisa (1975)
Ariola/ 88.863-1/ Spain




Fusioon-Absolute Fusioon (2011)
Finders Keepers Records/ FKR046LP / UK
Share:

Las Canciones Hindúes de The Beatles y Su Impacto En la Sociedad Musical;

Las Canciones Hindúes de The Beatles y Su Impacto En la Sociedad Musical; 

TEXTO Y AUTORÍA de Cecilio Aguilera Nieto.
Montaje y Portada; Sergio Bujez

En una escena de la película “Help” de The Beatles había un grupo de músicos hindúes, a George Harrison le fascinó ese sonido y sobre todo el instrumento principal de estas orquestas, el sitar. George siempre se interesaba por la música autóctona de los sitios que visitaba en las giras y se iba haciendo con instrumentos de cuerda de casi todo el mundo, consiguió una gran colección. Así que se compró un sitar, de baja calidad, en una tienda de regalos hindúes de Londres y un disco del gran virtuoso del instrumento Ravi Shankar e intentó traducir punteos de guitarra a ese nuevo instrumento.
Estaban en la grabación de “Rubber Soul” y estaban introduciendo sonidos nuevos en sus canciones para lo que utilizaban un trastero lleno de instrumentos raros que había en el estudio. George Martin, el productor, antes de hacerse cargo de ellos había trabajado en música para publicidad y música contemporánea, por lo que conocía todos los instrumentos y todos los trucos. A todos los cachivaches del trastero Harrison añadió su nuevo sitar.


La primera vez que lo usó fue en la canción de Lennon “Norwegian wood”. Se reconoce al instrumento en los rifs que doblan la melodía de la voz. Tuvo una gran acogida entre la crítica pues era la primera vez que se oía un instrumento exótico en una canción pop.

Ravi Shankar estaba de gira por Europa y recaló por Londres y George contactó con él. Ravi lo visitó en su casa y le dio unas lecciones de sitar, también le recomendó el yoga para los problemas posturales que el uso del sitar sentado en el suelo le producía. Le indicó libros de espiritualidad hindú y lo introdujo en la meditación. George acudió con John a unas sesiones de meditación transcendental que se estaban haciendo muy famosas entre la vanguardia londinense impartida por un yogui llamado Maharishi.

Para la grabación de “Revolver” George aportó dos canciones, además del tema de apertura del álbum “Taxman”. Introdujo el primer tema de fusión oriente-occidente de la historia del pop, “Love you to”. Además del sitar contrataron a un músico hindú para la tabla y esa fue toda la percusión del tema. George pudo dar más protagonismo a su sitar con lo aprendido con Ravi.

También John, influenciado por las enseñanzas de la meditación, quiso aplicar a una canción los “mantras” (repetición de una frase para vaciar la mente en la meditación), además de una vieja apuesta a que un amigo le emplazó, la de hacer una canción con una sola nota. “Tomorrow never knows” es una canción sobre el ácido y con letra basada en “El libro tibetano de los muertos” solo con el acorde DO. El tema era propicio para todo tipo de experimentos, el solo de guitarra de George se grabó con la cinta al revés y Paul aportó unos “bucles” de sonido que consistían en grabaciones caseras de un mismo sonido repetidas muchas veces en intervalos temporales, con lo que añadió lo que el llamó gaviotas y alguien llamó “barruntos de una manada de elefantes en la lejanía” y que le daban un toque muy exótico a la canción; también Ringo adaptó su ritmo a lo que aprendió con el hindú de la tabla. Todas estas aportaciones eran posibles por la utilización de un solo acorde.

Tras la última gira de The Beatles que terminó con los incidentes en Filipinas, George aprovechó una escala en la India para comprar un buen sitar aconsejado por Ravi que acudió a su encuentro.

En el verano de 1966 The Beatles se dieron unas vacaciones. John se fue a Almería a rodar una película, Paul y Ringo viajaron por el mundo y George fue a la India para visitar el país y seguir sus clases de sitar y sus meditaciones en casa de Ravi. Quedó fascinado por la espiritualidad, el caos, los colores y los olores del país. Volvió con una suficiente técnica para dominar su nuevo instrumento.

En 1967, para “Sgt. Pepper´s” George no aportó una canción pop con sitar sino una autentica canción hindú en música y letra “Within you without you”. Se basaba en un fragmento de una obra de Ravi Shankar para la melodía y todos los músicos que lo acompañaron eran hindúes.

También incorporó su sitar a “Lucy in the sky with diamonds” de Lennon. Apenas se aprecia durante el estribillo final de la canción. Durante aquellas sesiones también grabó George otro tema genuinamente hindú “The inner Light” que incluía un extraño instrumento de viento que imita la voz humana llamado nadaswarán y que fue lo más étnico que se grabó bajo el nombre de The Beatles. Este tema no salió en el disco y quedó guardado hasta que entró en 1968 como cara B de “Lady Madonna”.

Contagiado todo el grupo por la espiritualidad de George, se fueron a un campamento de meditación en la India dirigido por Maharishi. Los acompañaban una serie de amigos entre los que se encontraban Donovan y la actriz Mia Farrow. La experiencia de la meditación no captó a todos por igual, Ringo duró poco, su mujer no soportaba ni los insectos ni la comida, poco antes de terminar todo el programa los acampados se volvieron a Inglaterra por un problema con Maharishi. George no se volvió con ellos. Aprovecho el viaje para visitar a su amigo Ravi.

Durante este encuentro reflexionando sobre la experiencia de la meditación transcendental, Ravi le dijo a George “el camino de la felicidad consiste en la búsqueda de infancia”. Y George cayó en la cuenta de que su infancia era el rock and roll, y que nunca podría tocar el sitar como un maestro hindú. Y nunca más volvería a grabar nada con el sitar.

Algo similar le debió pasar a todo el grupo. La cosecha de la meditación en la India fueron las canciones de Álbum Blanco. Debieron encontrarse a si mismos, porque son las canciones más sinceras y personales de cada uno de ellos, sin artificios, experimentos ni espiritualidades, la vuelta a la infancia, hasta Ringo compuso su primera canción.

¿Y que impacto tuvo el sitar de Harrison en el mundo del pop?
Hay que tener en cuenta que The Beatles era la referencia absoluta a seguir por todos hasta 1968 y estas grabaciones tuvieron un impacto brutal. En el uso del instrumento en sí y en abrir la mente a la posibilidad de fusionar músicas, oriente-occidente o norte-sur. Las gentes del rock y del folk abrazaron la idea.

El primero fue Brian Jones, guitarrista de Rolling Stones, era el típico pesado tímido que no habla pero que siempre esta estorbando en casa de otro, siempre que podía, no se perdía casi ninguna sesión de grabación de The Beatles a partir de “Rubber Soul” y se compró un sitar en la misma tienda que George. Sus compañeros le dejaron meter el sitar en canciones como “Point it black”, “Lady Jane” y “Street Fighting Man”. También de un viaje a Marruecos se trajo unas cintas con unos coros que su temprana muerte no le dio tiempo a utilizar y que luego Jagger y Richards utilizaron en el tema “Continental drift” de su disco de 1998 “Steel Wheels”.

Muchos otros artistas siguieron la idea como Donovan, Traffic o los holandeses Shocking Blue, utilizaron el sitar en sus grabaciones y se empaparon de la atmósfera psicodélica y orientalista que The Beatles propagaron por el mundo. También se produjo el efecto “ida y vuelta”, por ejemplo el sitarista Ananda Shankar, sobrino de Ravi, publicó un disco con éxitos de rock internacional.

También llegó a España, concretamente a Sevilla, donde en 1968 empezaron Smash. Uno de los componentes, Gualberto García, un trianero enamorado del flamenco, guitarrista que siempre experimentó sonidos nuevos, se interesó por el sitar y llegó a tocarlo espectacularmente. Aparte de coger la idea de la fusión y ser los primeros en mezclar el flamenco con el rock, cantado en inglés, con un resultado muy original.

La primera grabación en la que Gualberto usó el sitar con Smash fue “Look at the rainbow“, una canción claramente influenciada por Harrison. Y rizó el rizo de las fusiones con "Behind the stars", un tema pop cantado en inglés con sitar y los "quejíos" flamencos de El Lebrijano.

Tras la disolución de Smash viaja a EEUU donde se integra en la Yoga Symphony Orchestra liderada por el sitarista hindú Diwan Mothihar, con el que depura su técnica. Tras su vuelta a España en 1979 graba “Gualberto con Agujetas”, un disco de flamenco son sitar, culminando este estilo con su intervención en el mítico “La leyenda del tiempo” en el que acompaña a Camarón en la “Nana del caballo grande”

Cecilio Aguilera Nieto.





Tracks List "Con Enlaces A Youtube";

01-Norwegian Wood
02-Love You To
03-Tomorrow Never Knows
04-Within You Without You
05-The Inner Light
06-Continental Drift
07-Look at the rainbow (Flying In The Sky)
08-Behind The Stars
09-Nana del caballo Grande
Share:

Estamos en Facebook

Idiomas:

English French German Spain Italian Dutch Russian Portuguese Japanese Korean Arabic Chinese Simplified

Película Semanal (Trailer)

Deja tu mensaje

Entradas populares

El álbum de La Semana:

La canción de la Semana

La España Psicodélica y Progresiva

Bandas