Y aquí me hallo camaradas, en la nueva afrenta, incólume entre rigor de rigores, en el singlar del maremagno denodado... el sumun, por así decirlo, de todo lo creado.

Y avanzando en el sendero susodicho, hoy, y de forma habitual os traigo la maravilla consabida.

Esta vez nos volvemos a trasladar al terruño teutón, y como de costumbre, los escasos datos de la banda son un hecho, algo que nos sumerge en una búsqueda voraz de cualquier información que se precie.

Aera se fundó en la ciudad de Núremberg en 1971 bajo el entorno de Muck Groh, quien era el guitarrista de Ihre Kinder, la estrella jazzística coterránea del estado de Baviera.

Poco a poco se fueron uniendo integrantes hasta completar una formación consolidada con la que en el trascurso de los años, pasaron de ser meros ejecutantes de Krautrock hacía un jazz propiamente personal y de gran dinamismo rítmico, sobre todo con la entronización de Klaus Kreuzedes, un saxofonista en silla de ruedas que consiguió finalmente, erigirse el cerebro y líder supremo de la banda junto a sus compañeros de conjunto: Dieter Bauer en bajo y Wolfgang Teske en batería.

En 1975, nace su primera obra en estudio, "Aera humanum est", un álbum completamente instrumental con Peter Malinowski al bajo en Alois ’Flötending.

Graves de gran calado, pasajes que se van abriendo en una intimidad sonora habitual en la época, para despuntar en el cenit que más bien parece ser una estructura leit motiv, desde donde se van desarrollando los acompañamientos instrumentales.

Cabe destacar, que cada uno tiene su propósito rítmico a modo de rol sin necesidad de destacar los grandes solos, y sí, aunar la armonía en un todo conformado, es por ello que las atmósferas nos presesentan un gran marco vivaz, de frescas texturas, introduciéndonos en la sensación placentera de "dejarse llevar"... tal y como pasa con bandas de la escena italiana como “Agorá”, de cariz libre, pero con cierto protocolo y pautas de interactuación empírica.

El single Alois ’Flötending fue extraído por Bayerischer Rundfunk para la sintonía de apertura en una serie televisiva alemana.

En 1976, Hand und Fuß, ve la luz, adaptando al medio elementos de voz y coros que se sumarían a cargo de Groh, Kreuzeder y Malinowski, el nuevo bajista que reemplazo a Bauer.

El álbum en la misma línea de tu antecesor sumaba sonoridades acústicas y melódicas de múltiple voz, además se sustituyó por deserción de los anteriores a Lucky Schmidt en la batería y Christoph Krieger al violín.

En 1978, la agrupación ganaría el primer premio en el concurso de jóvenes talentos de la academia alemana "Fono", en la categoría jazzística, tal hecho les permitió acrecentar su trayectoria y Groch inició una carrera en solitario apoyado por Aera en los discos Muckefuck y Grotes... que finalmente pasarían al olvido absoluto.

Su tercer trabajo en 1979 y titulado "Turkis", supone la remodelación de integrantes siendo Kreuzeder quien se queda al cargo absoluto de los nuevos proyectos, sumando para el estudio a Lutz Oldemeier, Matz Steinke,Helmut Meier-Limberg, Freddy Setz,  Achim Giseler y Locko Richter. E incluso Roch tocó en alguna pista como invitado, y se cambió hasta tres veces de batería, hecho por el cual tardó más de un año en publicarse el álbum.

Aera consigue cierto prestigio durante esta etapa, plasmando sus hazañas en el escueto Live de 1980, donde Roch suple la labor de producción.

Por esta fecha Roman Bunka de Embryo se une en la liberación de los dos últimos álbumes Too Much de 1981 y Akatali del 82, viviendo todos juntos de forma comunal en el campo de Franconi, más específicamente en el distrito de Erlangen-Höchstadt, y más tarde en Sulzheim, cercanías de Grafenrheinfeld.

Su estilismo en el último periodo permuta a una preferencia Funky, sonidos afroamericanos en concepto de fusión, los cambios y requiebros en la métrica de piano hace de ello una banda más elaborada llevada al punto del virtuosismo con grandes cadencias de percusión subsidiadas por el saxo, siempre en consonancia con la guitarra baja y alta.

Soy Frank y hoy traigo una entrada muy especial acerca de la mítica Sala Matrix en San Francisco, ubicada en el Fillmore Street.. activa durante 1965-72 fué uno de los bastiones origen más importantes del movimiento psicodelico, aparece incluso en Miedo y asco en Las Vegas y su nombre es muy misterioso porque a mi modo de ver nos indica dos cosas muy importantes que no son mera coincidencia, 1º que ya en la época tenían noción de esa idea de que la realidad es una simulación, esta idea ya la tenía muy en cuenta Aristoteles o Platón pero en época contemporánea lo que quiero decir es que no hace falta irse a 1999 con la salida de la mítica película, ya en los 60s había pensadores con la idea de una simulación controlada; El LSD era una forma de ver la malla y ser consciente de los barrotes que tiene la conciencia humana. 2º Que las élites y los illuminati al principio del movimiento psicodelico estuviesen interesados en impulsarlo para experimentar con él (aunque luego en 1970 lo tratasen de cortar de raíz) y por eso el posible origen de esta mítica sala, bombardear el inconsciente colectivo de aquella gente haciéndoles saber o creer que la realidad es una simulación controlada por seres superiores o como mínimo por ellos. Creo que uno de los motivos por los que una persona puede mal viajar es porque de repente es consciente de la matrix pero al mismo tiempo no sabe escapar de ella y solo ve la realidad haciéndose añicos. La verdad creas o no en estos temas espirituales o cuánticos, no podrás negarnos que la realidad de por sí tal y como la conocemos es una falsedad en este sistema capitalista globalizado, controlado por multinacionales y políticos corruptos

La idea de Matrix es una idea que ''me encanta'' o más bien me obsesiona especialmente en esta época tan digital, de matrix's dentro de matrix's, sistemas de realidaddes dentro de otros sistemas, los ordenadores serían algo así como una realidad dentro de otra, además 1970 fué la fecha de origen del primer ordenador contemporáneo tal y como los conocemos 01/01/1970 y por eso decían que el sistema digital tenía un calendario que se reiniciaría en el año 2000, toda una filosofía de simulaciones y realidades se originaron entre el ácido y la informática

Aclarar la diferencia que existe entre esta sala y el festival Fillmore West, como la palabra indica el Fillmore era un ''festival'' mientras que la matrix solo una sala, a veces coincidió que algunos conciertos del fillmore se realizaban en Matrix, pero por lo general matrix organizaba sus eventos de forma independiente (Debemos preguntarle al oráculo para aclararlo jajaja el oráculo de la 70s matrix es Leary)

Estos son todos los grupos que actuaron en la Sala Matrix, me sorprende/echo de menos no ver ahí en especial a Iron Butterfly; Puede que muchos de los grupos que aparecen ahí sean confusiones con el Fillmore. Hemos incluido en la carpeta de este recopilatorio todos los albunes separados entre sí que hemos podido encontrar sobre esta mítica sala muchos de ellos en formato ''full album track'' pero buen material, algunos semi-oficiales sacados en CD o  Vinilo como bootlegs y otros puramente bootlegs algunos incluso inéditos que me ha costado encontrar y los he sacado de fuentes que Sergi y yo tenemos. Entre los que no he podido encontrar porque seguramente ni se grabaron: Taj Mahal, Flamin' Groovies, Electric Flag, Status Quo, Howlin' Wolf o Country Joe & The Fish, pero no os alarmeis que la cantidad de grupos que sí traemos es mucho mejor. Musicalmente qué decir.. muchísimo BLUES ELÉCTRICO, PSICODELIA, JAM ROCK, heavy psych, jazz fusion.. Todo muy proggy sí, pero si os gusta mucho el Soul y la faceta funk de los 60s aquí no hay demasiada pero la hay

Muchas de las grabaciones estaban hechas una pena, he reparado varias como la de Winter y Janis Joplin; Mítica versión the The End en el matrix, casi se puede respirar el ambiente de la sala como si estuviésemos allí, también destacar el estilo blusero  jazzero mágico de los primeros Jefferson Airplane ''Great Society''. El único album del que no os puedo asegurar que sea el matrix es el de Johnny Winter pero casi seguro que es porque consta en la Matrix y al mismo tiempo su fillmore west se sabe que fue en una Sala y en esa misma calle..

portadas diseñadas por este blog, en el enlace tenéis mas de ellas


↯↯↯↯↯↯ <-- (Iink? = Search for the D0wnl0ad section of this blog to enter the matrix)

La joyita en el pastel, el matrix de John Kay y los Sparrows que ya traje a FFvinilo el año pasado pero que esta vez lo traigo LP Rip con esta fabulosa portada tan fallout new vegas matrix, mítico Jam de ''The Pusher'' con una cara B para él solito, lo más blusero y cercano al perdido Howlin' Wolf del recopilatorio. He hecho una profunda investigación en la red (la red de redes jaja) la matrix superior y en este recopilatorio de albunes tenéis prácticamente todo lo que hay en internet sobre esta mítica sala, pero hay más, muchísimo más esta claro y ojalá un día salga a la luz ¿Existirá un universo paralelo en el multiverso infinito donde los sesenta aún no se hayan acabado? Por lo pronto en este blog lo estamos creando ¿Hasta donde tenemos pensado llegar? Pues por lo pronto tengo pensado seguir haciendo portadas en 3d por las que pasear con far cry arcade

Lo que no nos explicaron en la película matrix es que el nuevo orden mundial sería tan mierda que casi que prefiero la matrix y las maquinas y más si fuese una matrix de los 70s, la vida ya solo se limita a la supervivencia y no hay nada místico o mágico en las sociedades modernas

¿Sabéis por que en Matrix las máquinas tienen a la humanidad sumida en un eterno 1999? Porque era una época que estaba bien pero a la vez el mundo estaba ya con el nuevo orden mundial y al borde del abismo, lo mismo que si hubiesen elegido los años 10s, los años 30s, la edad media.. Pero si hubiesen elegido la edad dorada (60s-70s o ciertos momentos de la la edad antigua o el renacimiento) donde la cultura popular se orientó momentáneamente hacia el despertar de conciencia masivo las probabilidades de que muchos ''especímenes'' despertasen de la matrix serían mucho más altas

Salurocks!!

Hola camaradas, aquí sigo, empedernido en mi vesania musical, reflexionando sobre el fundamento filosófico he llegado al análisis y conclusión de que ya nada tiene sentido, mentalícense, los setenta ya pasaron, y con ellos, se llevó todo rastro de virtuosismo innato. 

Al menos, durante nuestra estadía, es nuestra obligación percibir el enorme patrimonio heredado por los magnánimo... generación que como dijo Fran en su reflexión de hace unos días, no se volverá a repetir, y si hay algún intento de la misma, creo que nosotros no lo viviremos para contarlo. 

Que Andalucía es terruño de arte y duende artístico, no es dogma subjetivo, es el axioma irrevocable y cualquier persona que niegue tal razón tan sólo por su achaque de marginación sureña, no es digna de respeto. 

Y buscando entre mis vinilos alguna banda para reseñar, siempre reitero en la estadía de mi tierra, España, y dentro de esta, aún más en Andalucía, mi comunidad autónoma, orgullo de mi Graná, como "guaiseño" impetuoso. 

Y centrándonos en lo susodicho, os traigo a Tabletom, la banda homóloga y por excelencia del ambiente hippie español.  

Planteado en los albores de la medianía de 1974, en el Camping de la Chullera (Estepona), un grupo de ingleses cuyo origen eran de Gibraltar estaban buscando guitarra y voz mediante un anuncio en los periódicos, para formar una banda de trazos glam: botas de calado alto, aspecto cuidado, pelos cardados, ropa oscura y ajustada, exceso de maquillaje, cuero, gafas y adorno metalúrgicos.

A las pocas semanas Pedro Ramírez (Perico) se presentó uniéndose al que por el entonces era un terceto, instaurando el nombre de "Black World Creaction". 

Roberto González (Rockberto), que acababa de regresar de Holanda en una gira de rumbas, se interesó y viajó hasta el bungaló al pie de la playa para realizar la audición, el tema a interpretar sería: Smoking in the Water de Deep Purple. 

El cuarteto se quedó impresionado de su carisma, su vox rajada y ambiente espiritual distendido dado a los arduos placeres de la vida.  

El quinteto hizo amagos de componer y llegar a un acuerdo, algo que no fue posible y un año después, Black World ya estaba desintegrada, a causa de gustos personales, cada integrante mecía por un género en particular, lo cual no se pudo llegar a la sinergia. 

Durante ese periodo, Perico y Rockberto congeniaron muy bien, ambos malagueños y amantes de la filosofía Daevid Allen y su planeta Gong (banda que influenció en los temas posteriores de Tabletom de forma unánime), estaban dispuestos a empezar de nuevo compenetrándose a la perfección creando un género bajo la fusión de fusiones: Flamenco, rock progresivo, rock espacial, Jazz, Reggae, todo a ello entre altas dosis de alucinógenos. 

Según las palabras de Rockberto "Vine de la gira de Holanda y me encuentro en el camping a los catetos con un pedazo de equipo que no lo había visto ni en los mejores repertorios del extranjero. Entre ese pedazo de equipo, y aquel sitio tan bonito, no había quien nos echara de allí, al final nos fuimos nosotros". 

Una noche de juerga, a orillas de la playa, cual hippies sin tumbo en una anarquía idílica y vivencial sin precedentes, se quedaron desprovistos de estímulos artificiales y Rockberto vociferó "esto con un buen tabletom, se arreglaría todo", y perico con devoción afirmó "ese nombre no está mal para el grupo", a partir de aquí, nace la leyenda. 

¿Qué es Tabletom?: el apelativo lo dice todo, un eufemismo de narcótico, "una buena tableta de chocolate", sí, esa humareda que se exhala en consonancia con la época que lo vio nutrir, digámoslo "en su pleno esplendor"... el regalito de dios, como decían Azahar. 

Por estas fechas, tuvieron una anécdota realmente graciosa, según sus testimonios: "una noche a las 3 de la mañana, estábamos escuchando a Genesis (Selling England By The Pound) tumbados en la cama, y de pronto la policía rompió la puerta y entro en la habitación, con orden de desmantelar un laboratorio de ácido, al entrar tiraron el tocadiscos y la música se paró, y empezaron a gritar en nombre de la policía... nos registraron lo poco que podían, pues estábamos en calzoncillos y sólo encontraron pipas de fumar y muchos instrumentos". 

La policía encontró un papel con el nombre de Tabletóm y un agente dijo: ¿Tabletom?, vaya nombre, ¿qué es tabletom?... y Rockberto les dijo "¿usted sabe inglés?, y el policía dijo: un poquillo, Y Rockberto le contestó: Tab significa oreja, let significa deja y om el mantra de los indios... la oreja deja al om". 

En 1979, llevan al estudio los temas que fueron componiendo desde 1976, enrolando rápidamente al hermano de perico, José Manuel "Pepillo" en flauta, que por la época tan sólo tenía 16 años, Paco Oliver en la batería (aunque más tarde, su puesto sería sustituido por Salvador Zurita), Javier Denis en el Oboe y Saxos, Jesús Ortiz en el violín y el bajo, así como los dos restantes: Perico en guitarra y Rockberto en guitarra rítmica y voces.

Bajo las órdenes del productor Ricardo Pachón (quien trabajó para Lole y Manuel, Smash, Camarón de la Isla, Silvio, Pata Negra, Veneno, Rocío Jurado, etc.) fichan para la RCA, que desde el primer momento son reacios a su idiosincrasia, hecho que produjo en Tabletom, enormes problemas financieros, pues la discográfica estadounidense editó el vinilo de forma desprolija, sin apenas promoción y hecho final, no volvieron a renovarle el contrato. 

  

En 1980 nace la maravilla consabida "Mezclalina", un álbum claramente anarquista en un mador de jazz y fusión sin paragón en la España del entonces. Con sonidos de la escena Canterbury y aunado a las sorprendes y virtuosas actuaciones en las que Rockberto se erigía como líder, los llevo a la fama moderada mediante el boca a boca... en Málaga ya eran el tótem. 

Canciones como Ininteligible o Zero-Zero, nos hace trasportarnos a la Ibiza de la época y su sistemática de liberación social... sus calas de ensueño, el ambiente místico, la desazón de dolce far niente bajo el amor independiente, noches de fiesta con fuego y música, olor bucólico, aroma del incienso pachuli, ecos morunos, Andalucía en la mente, etc. 

En 1984 nace Rayya, bajo su propia productora de casetes, paso sin pena ni gloria... pero nutriendo las necesidades más perentorias mediante los conciertos, que era el atractivo principal de la banda. 

A pesar de su estructura interesante, respiraba el trasfondo comercial de la época con estructuras en bucle y pegadizas, bases reggaes, prospectos jazzísticos y gran dinamismo rítmico.

Ellos mismos citan "los ochenta fueron unos años que al principio no estuvo mal, pero después... fueron unos años muy chungos, vinieron moda que la música era muy fácil de tocar, los punkis, la movida, el new wave... y nosotros éramos muy hippies muy naturales, era otra actitud, la gente que sabíamos tocar, estábamos mal vistos... nosotros seguíamos en nuestro rollo, en el campo, nuestra forma de vivir". 

Por esta época nace el proyecto paralelo "Rockberto y los Castigos" en un intento de adaptación a la nueva ola, (aunque ya se hacía notar ciertos atisbos con Rayya con métrica típicas de Alaska, Derribo Arias, Golpes Bajos, etc.), fue un fracaso absoluto, por lo que decidieron dar por finalizado su trabajo durante un tiempo considerable. 

En 1990, Pepillo, Rockberto y Perico vuelven a sumar sus fuerzas rehabilitando de nuevo sus ensayos en el estudio privado de la banda. 

Inoxidable, su tercero en estudio ve la luz en 1991 bajo una mejor producción, líricas poéticas ligadas a lo vernáculo, extractos de todo un poco en la línea de sus antecesores, incluso, una canción que se convierte en single de éxito "Me estoy quitando", una canción en honor a una entrevista que camarón dio para un periódico de prensa rosa, en el que a la pregunta que como lleva las drogas, el contesta "me estoy quitando".

A partir de esta canción surge un himno a nivel nacional, la amistad entre camarón y Tabletom, y posteriormente un sincretismo con los extremeños Extremoduro, quienes la versionean en su disco Agila de 1996. 

Llegaron a participar en múltiples conciertos de fusión, como en la "Gira Histórica" con motivo de la autonomía de Andalucía, donde participaron Pata Negra, Kiko Veneno, María Jiménez, Carlos Cano, Alameda, Manuel Gerena, Silvio y Luzbel, y como no, el reciente contacto: Camarón de la Isla y Tabletón.

En 1996 surge el directo Vivitos... Y Coleando, una compilación de temas donde se puede ver a la banda en todo su ardor momentáneo frente a sus incondicionales seguidores. 

En 1998, "La Parte Chunga", su cuarto en estudio adaptando un nuevo sonido precursor de la quinta y sexta placa "7.000 Kilos" de 2002, así como "Sigamos En Las Nubes" de 2008, con un cariz ecléctico bajo las letras del poeta coterráneo "Juan Miguel González".

Entre el bolero y la copla, el jazz y el reggae hippioso, ineludiblemente sonido y carácter de un entorno malagueño soterrado.

El 12 de junio de 2011, Rockberto deja el mundo terrenal para adentrarse como el mirlo azul, que él tanto definía, en la libertad perpetua.

A partir de aquí el Sumergible Neuronal pierde el rastro de la banda, aunque se sabe que, Tabletom volvería en 2016 con Luna de Mayo, bajo un nuevo cantante y la misma línea de sus antecesores proyectos, dando por hecho, un nuevo registro vocal que nos deja indiferentes quizás, por nuestro enorme apego al magnánimo.

¡MUERDE QUÉ ROLLO!, ¿NO?: Rockberto, siempre eterno. 

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Hola, soy Psychic Oum, amante de la música árabe y oriental, paulatinamente publico cosas relacionadas con este mundillo cultural, que es más desconocido por occidente, pero que está ahí, vigente a la sombra de los demás países del mundo.


* ¿Qué es la música Rai?:


Rai es una palabra extraída de la palabra árabe  ^الرأي^, que significa opinión, y está destinada a expresar un punto de vista informativo personal y subjetivo.

Rai es un tipo de música folclórica que permite a muchos cantantes y músicos expresar sus opiniones y pensamientos políticos y sociales.

Se considera un movimiento musical lírico que comenzó entre la parte occidental de Argelia y el este de Marruecos y en los siglos XVIII y XIX, la época de la intervención española y después de la intervención francesa en Argelia, donde se originó este estilo musical, especialmente en Orán, Oujda y Saidia como resultado de la persecución y explotación que ocurrieron en los dos países durante el tiempo de las dos invasiones:

La colonización española de Orán 1732 y la francesa del estado de Argelia, 1830.

* Historia del arte Rai.

1- Durante el período colonial:

La canción beduina es el origen del género y uno de sus pioneros más destacados son autores como Sheikh Hamada, que es un cantante argelino que interpreta la vieja alma beduina, "Rai" conocido como Al-Wahrani, nació en 1889 en Mostaganem y murió el 9 de abril de 1968 en la misma ciudad.

Sus canciones tomaron la mayoría de sus temas de elogios religiosos y problemas sociales, centrando su atención durante el período del colonialismo francés y relataron las tragedias de la población, tales como la dificultad de vivir y las plagas sociales a través de las cuales intenta alertar o despertar al oyente.

Sheikh Hamada vivió durante un tiempo en París y Berlín, donde estaba grabando sus álbumes y  canciones, y donde también cantó para los grandes poetas de Malhoun, como Abdullah bin Krio El-Aghawati y Abdel-Qader Al-Khalidi, y de sus canciones más famosas.

2- Después del período colonial:

En los años setenta después de la independencia de Argelia a favor de las ocupaciones españolas y francesas el Rai fue estructurado para ser nada más que música que expresaba la realidad y los requisitos de la gente para tomar otros sentimientos, donde la canción de Rai fue testigo de un gran desarrollo en melodías y ritmos, por lo que ambos cantantes Ahmad Zarky y el Cheb Drissi Al-Abbasi fueron los primeros en este desarrollo, que incluyeron también palabras que se han vuelto más populares, románticas y fáciles de entender.

Una de las canciones más famosas de Ahmed Zarky.

Una de las canciones más famosas de Cheb drissi.

3- Década de los ochenta:

Rina Rai, una banda de música argelina Rai, vino de la ciudad de Sidi Bel Abbas, establecida en 1980 en París.

Donde aparecieron varios artistas competidores, lo que condujo al desarrollo de la música Rai, especialmente a finales del decenio, cuando la televisión argelina comenzó una sesión artística semanal bajo el nombre de Bled Music, que indudablemente contribuyó a la profusión del producto artístico.

4- La década de 1990:

La canción Rai no solo se convirtió en exclusiva para los argelinos, sino que también se mudó al país vecino, Marruecos, donde este género musical comenzó a extenderse en la mayoría de las ciudades orientales.

Además, este período se considera su edad de oro, ya que Cheb Khaled y Cheb Mami emigraron de Argelia y se establecieron en Francia.

*En resumen.

Nadie niega que la música Rai sea actualmente un tipo puramente magrebiano, interpretado por cantantes de Marruecos, Argelia, Túnez y los expatriados hacia Francia en particular.

Nadie puede negar que sus contribuciones han hecho que los ritmos y las letras de las canciones se transformen y cambien a lo largo de la historia de su desarrollo para abrir su concepto a la música del mundo.

Texto escrito por Psychic Oum

Los ocultistas romanos Ain Soph, se fundaron en 1982, litigantes entre las fuerzas de la autoridad. por los disturbios que provocaban sus espectáculos con rituales esotéricos y macabros.

¿Qué es Ain Sof?, según mi ingente biblioteca ocultista o parapsicológica con libros trascendentales y verídicos del siglo XIX:

Es el ser supremo de la cábala, autosuficiente. creador del árbol de la vida en cuyas ramas emanan las sefirot... el infinito autárquico de una vida intangible que parte desde Ex nihilo (de la nada).

Es un dios incognoscible, incompresible para la razón humana. patrón de la múltiples sociedades secretas, entre ellas, la masona (gran arquitecto del universo), las escuelas gnósticas (el increado) o las mismísimas filosofías de demiurgo (el creador).

¿Su música?, destinada a bandas sonoras mortuorias, claramente compone elementos drone, ambientales oscuros, industrial con pasajes realmente ténebres y luctuosos, música de cámara, invocaciones mágicas, étnicas y ancestrales, numerologías y simbolismos hipnóticos, el vivo patrón de una misa negra electrónica.

Se supone que para los eruditos en el género, su álbum "Kshatriya de 1994 es la obra maestra del grupo con entornos neoclásicos, ruidistas, empíricos y nigromantes.

Su línea se acentúa en monotonía hasta la entrada de la década noventa, en la que logran incursionar elementos de la música culta y psicodélicos de alta dureza compositiva.

Discografía:

Bueno camaradas, aquí me encuentro, siguiendo los pasos de costumbre, siempre acérrimo al rock progresivo como sujeto avezado, como vínculo conductor... la pura esencia del arte virtuosismo sin requilorios.

Volviendo de nuevo a la modología de una narrativa coherente, alejándome de lo psicotrópico, El Sumergible, tiende su imagen más variada y ecléctica, dando por hecho, los muchos registros que se han cubrido desde su estadía.

Hoy analizaremos la banda Hanson, formada en 1973 y liderada por Donald Hanson Marvin Kerr, un espléndido músico con una trayectoria increíble, digna de puntualizar, pues viene a colación con la banda que hoy se presenta.

Junior Kerr, seudónimo que usaba Donals Hanson, nació en Kingston (Jamaica), y mudándose sus padres a Londres en su pronta infancia, una ciudad de efervescencia musical y en pleno cenit de la misma, toma contacto con el movimiento de la época, codeándose con la flor y nata londinense, llegando hasta a aparecer en la película Beatles Help de 1965.

Tras varios pasajes de aprendizaje en un viaje temporal a los E.U, tocó con T-Bone Walker e Ike & Tina Turner, ganándose la fama de guitarrista legendario, archiconocido en los circuitos de Blues / Rock.

Ya en Londres de nuevo, arrastró su popularidad y múltiples actos y bandas reclamaban su talento;

Tocó con Herbie Goins & The Nighttimers, Blue Ace Unit y White Rabbit.

Fue papel en el musical venerado y vitoreado por la prensa Hair en el Shaftsbury Theatre en el West End de Londres.

Apareció en las sesiones de estudio con Gerry Lockran, Rebop Kwaku Baah, Lancashire Hustler y escribió además para Keef Hartley, en el álbum Seventy Second Brave de 1972.

Como podemos ver, es una dilatada carrera sin cesar su formación y desplegue de sus actitudes con el instrumento. Paulatinamente Junior ideó iniciar una agrupación en la que el fuera miembro fundador.

A finales de 1972, formó Hanson, no se sabe con qué motivo, en principio al llevar el título de su nombre real (Donald Hanson), alude a una carrera en solitario, pero como veremos más adelante fue simplemente un nombre propio, como objetivo de una conformación entre diversos músicos.

Formación:

Junior Hanson - guitarra rítmica y líder; y voz"

Jean Roussel - piano eléctrico, órgano, clarinete, sintentizador Mini-Moog.

Clive Chaman - guitarra baja

Conrad Isidore - batería-

Como ya había ocurrido en otras ocasiones, Greg Lake, que además ejercía la labor de un productor cazatesoros, se interesó en Hanson y les ofreció firmar para el sello propio de Emerson, Lake and Palmer, "Manticore Records", hecho que fue aceptado por la agrupación.

Rápidamente se manifestó su primer disco "Now Hear This" de 1973, bajo las órdenes del ingeniero de sonido John Burns, quien había trabajado para Traffic, Genesis, Mott The Hoople, Jethro Tull, Humble Pie, Spooky Tooth, King Crimson, Fairport Convention, Marc Bolan y Deep Purple.

Un álbum ligeramente Funk en sincretismo progresivo, con armonías de verdaderos pasajes tranquilos y relajantes. En varios temas podemos ver la influencia de Jimi Hendrix y Santana, así mismo, en varias ocasiones parece que incursionamos en un universo de Groove Rock y su sensación rítmicamente expansiva.

En la portada aparecía una serpiente verde amenazante, mirada asesina, dos colmillos y una lengua larga dispuesta a inocular el veneno. Detrás de esta, aparece el Tower Bridge de Londres y el Liberty Enlightening the World, en New York, los dos parajes preferidos de Junior.

Como anécdota Keith Emerson les prestó el Mini-Moog para la canción "Take You Into My Home".

Fue un éxito moderado, lo que les valió para renovar el contrato para una nueva grabación, es así como nace su obra maestra de año ulterior "Magic Dragon", en la línea de su antecesor, nos adentra en un mundo particular: dureza efectiva y pegajosa encubierta entre solos de leyenda sinfónica


No obstante, hacía unos meses, Junior había desarticulado a los componentes y decidió reunir a verdaderos virtuosos para lograr un proyecto más conformado y la siguiente alineación en aparecer sería: Brother James, GLen Lefleur, Junior Hanson y Neil Murray.

En la portada figura un dragón tallado sobre cristal de murano con efectos ocres, y desde el lomo, parece surgir las caras de los componentes, llamando especialmente la atención el pelo afro de Junior Hanson jajajajajajajajajajaj.

Tras varios conciertos y una gira por los Estados Unidos, Hanson finalmente cesó su actividad de forma permanente.

Posteriormente, Junior trabajó junto Stomu Yamashta, Sandy Denny y Steve Winwood, además de las estrellas de reggae: Delroy Washington, Toots & The Maytals y Rico Rodriguez.

Su eco resonó y Bob Marley le animó a volver a Jamaica con un contrato a tiempo completo, acólito de The Wailers, labor que finalmente dirigiría como pilar fundamental durante y después de la vida del mito Tuff Gong... pero eso, ya es otra historia.

Hitos de promulgo andaluz, hace unas semanas se publicó la biografía de una de las bandas claves del sonido andaluz por excelencia. Cai, ya ocupa su puesto en nuestro navío.

Siguiendo la línea de los gaditanos, no es de menos desdeñar a sus coterráneos Mantra, oscuros, y no por devoción, sino por obligación en este mundo tan selectivo, que más bien parece nutrir de dádivas a unos, y relevó truculento a otros... en todo caso, compunción para estos últimos que son los deudores de la desgracia.


Pacíficas calas, pantalones de campana, olor entre eufemismos de verde ilícito, ambiente, meditación, hinduismo oriental, sonido contendiente bajo un hipnótico moog, abintestato de lo moruno, chapoteos junto al mar jurando amor eterno, a lo lejos un pueblecito albo, subsidiado por el gran alcázar, calzadas pétreas con balcones de vergel, literatura ensimismada y pulcra, la ilustre semana de pasión...

Paseos entre farfullas y chívanos descollando el acento del avanzado españolito, efluvios de un insistir, de una tenaz manifestación artística infravalorada por el resto de la península, y sin pecar de chovinista, muy superior a sus contendientes.


Formada en la localidad de Puerto Real en 1977, con Tato Macias (de Puerto Real) a la batería, y sus compinches, Kiko Fernández al bajo (de Los Barrios) y Juan Ahumada (de Sanlúcar) a la guitarra.

En sus primeros tiempos, se dedicaban a versionar clásicos de clásicos, hasta que idearon el boceto de crear algo más allá de lo acostumbrado, entre grupos alternos y paralelos como "Sombras", que ejercía para Tato, una vía de escape a los frecuentes fracasos musicales.

Como anécdota, en un concierto de Sombras celebrado en la natal Puerto Real, Tato fue sustituido por Iñaki Egaña de Imán Califato Independiente a causas de una ausencia personal.

Es en ese mismo recital cuando Tito Alcedo que por el entonces tocaba en la orquesta Trafalgar, donde conoció a Tato, que se encontraba pululando por el recinto, quien le anima a unirse al trío progresivo.

Es así como nace mantra como cuarteto sin teclado en 1978, y paulatinamente comienzan a crear canciones, a los pocos meses, Kiko abandonó al dúo, pero rápidamente fue sustituido por José Antonio Ramírez, un paisano y amigo de Tato, dando su debut en directo en una plaza de toros portátil junto a la banda hermana "Cai", frente a miles de puertorrealeños.

Posteriormente, actuaron en el antiguo Cine Alameda, creando tablas y rodaje junto a Azahar, un recital que los testigos de aquel momento nunca olvidarán, los altercados ocurridos y perpetrados por los "Grises" (Policía Nacional franquista) aparecieron hasta en esquelas periodísticas.

Tras acabar el espectáculo José Manuel Portela, un organista (que pertenecía a la banda "Sur" que entre sus integrantes se encontraba Antonio Reguera, ex Simún) se acercó al grupito y se presentó, instando unirse a ellos... Mantra se convierte en quinteto.



Juan Ahumada Caputto - guitarra

José Manuel Portela Ghessi - teclados y voz

José Antonio Ramírez Harana - bajo

Tito Alcedo Gil - guitarra

Tato Macias Lamas - batería



Por petición de José Antonio, se desplazaron a Sanlúcar a una casa de campo de su tía, in situ, formaron un ambiente comunal, dedica exclusivamente a dar fruto a su proyecto, aquel tiempo de retiro fue tan prolífico que ya tenían las canciones listas para ser grabadas en disco.

Siguieron publicitándose en directo, hasta que contactan con Chano Domínguez, quien los lleva hasta el "El Mosquito", el cortijo donde "Cai" ensayaba y tenían un estudio de sonido casero, situado en el Pinar de los Franceses, Chiclana.

En 1979 dan luz a su maqueta, con un magnetofón de 4 pistas, cual resultado fue pasado a casete y como colofón se perdió el máster, el rollo original.

Con la grabación ajo el brazo, se marcharon a Madrid con un Seat 850 en busca de fortuna.

Estuvieron tentados Philips y Emi, a parte, Gonzalo García Pelayo les abrió las puertas a las radios locales de la capital, como Mariscal Romero, que los entrevisto y emitió algunos temas de la banda.

Mantra en Madrid (1979)   

Aun así, no obtuvieron ningún éxito, los trámites parecían que nunca llegaban, y así fue, Mantra volvió a Sanlúcar, y dio por terminada su trayectoria... triste y ridículo final para una banda con tan buenos elementos.

Posteriormente, Tato un éxito recatado en la península como solista, Tito trabajó con Lole y Manuel, Kiko Veneno, Navajita Plateá, Raimundo Amador, etc.

Y en la actualidad José Antonio es de renombre al ser parte del proyecto Eclipsed, tributo a Pink Floyd.

Soundcloud

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Hay grandes diferencias que nos separan cada vez más de los 60s-70s o lo que nosotros ya denominamos la Era Dorada o Era del Virtuosismo y una de ellas es la formación musical, antiguamente por lo general los músicos incluso los más mediocres pasaban por una formación y aprendizaje que a día de hoy es muy difícil de igualar. 

Estamos hablando de niños nacidos en los años 30s, 40s y 50s que de chicos han crecido y mamado a los grandes del blues, del R&B, del Jazz, del Swing... han crecido con las mejores influencias en unas épocas donde no había tantos medios de entretenimiento como ahora, la vida tendía más hacia la sencillez espiritual y si un chaval de estos, encima pobre, llámese Hendrix, llámese John Fogerty, se interesaba por la música desde pequeño, pues con 5 o 6 años fácilmente ya estaba con una guitarra en la mano por el resto de su vida, y eso, sumado como ya he dicho, a la cultura pop de la época con una música brillante da como resultado un oído excelente y un conocimiento del instrumento musical (incluida la voz) sin precedente. 

Incluso músicos anteriores de música clásica no estaban tan expuestos al mundo musical desde pequeños, difícilmente a no ser que fueran de familias nobles. 

Para sumo, tenemos que añadir la llegada del LSD y de la espiritualidad al mundo occidental en 1964-65 cuando muchos de estos músicos estaban en la flor de la vida, en plena juventud.  

Fue una combinación de variables místicas que nos regalaron los mejores años de la música. 

Encima también hablamos del auge de la tecnología analógica tan tan importante, no os podéis hacer una idea a nivel de física del sonido, la diferencia tan grande que hay de los cacharros antiguos, la granularidad y el magnetismo de cinta a las mierdas de ahora que por muy buenas que sean, gozan de una frialdad digital que parece una materialización física del mundo actual en la grabación de los discos. 

Esta copia digital, ese cortar las pistas en cientos de miles de cachos infinitos propios de una matrix jajaja, eso marca la diferencia y también os digo por si os lo preguntáis se nota mucho la diferencia cuando algo proviene de analógico a digital y no tiene un origen 100% analógico, por eso, incluso las diferencias analógicas se aprecian en discos antiguos en mp3 sobretodo si son vinyl rip. 

También era un mundo donde las discográficas y el rock de estadio no se habían disparado tanto, ni la cultura de masas, ni el capitalismo, ni la globalización. Todo hay que decirlo. 

0---------------------1935---------------1955--------1965-------1975----------------1981------------1995-

Prehistoria épica          neolítico             edad dorada          edad de plata           edad bronce

1995------------------present

Decadencia generalizada y acelerada, si bien era una decadencia progresiva desde 1975, aquí la curva se disparó. 

Salurocks! Se despide por hoy Frank Cappa Psych, Marine en representación de la marina psicodelica, aún podéis alistaros antes de que se acabe el mundo en nuestro canal de youtube que también es como si fuese un canal secundario del Sumergible Neuronal.