Armageddon - Armageddon (1975) Rock espacial post-apocalíptico..

Bueno soy Fco Javier Pérez "Frank Cappa" @marineveteranm4 en twitter y hoy vengo al blog ...

Bueno soy Fco Javier Pérez "Frank Cappa" @marineveteranm4 en twitter y hoy vengo al blog de mi buen colega Sergio Bugel a traer esta crítica que hice hace tiempo en la comunidad del FFvinilo, aquí teneis la entrada literal, solo que he suprimido los enlaces de descarga por petición de Sergi asi que si quereis obtener este album teneis que visitar la entrada original o mi blog justo aquí MP3full. salurocks compañeros!!!

Hoy traigo un FFvinilo muy especial,  es un disco raro raro pero raro, una auténtica reliquia llevo meses sin parar de escucharlo, a veces pienso que me estoy volviendo loco con algún mensaje subliminal del disco, pero no tenía ganas de esperar más para traéroslo así que ahí va.
(Grabado en otoño de 1974 en Olympic Esudios, Barnes Londres)
Se trata del primer y único disco de la banda americana Armageddon (aunque su principal vocalista es inglés) bien, para entender la historia de esta banda hay que remontarse a The Yardbirds, una prodigiosa banda de principios de los 60s que albergó a grandes leyendas en su trayecto (como Jeff Beck, Jimmy Page o Eric Clapton) y que finalmente acabó convirtiéndose en Led Zeppelin en 1968. El vocalista de esta banda fué Keith Relf al que podríamos definir como un hombre "beat" de su generación, le gustaba el blues, la música de del rollo animals, kinks, beatles..  pero todo esto de la psicodelia y la musica pesada que estaba llegando no era lo suyo, asi que en 1968 salió de los nuevos yardbirds de Jimmy Page y dejó su puesto a Robert Plant. Estuvo dando andadas por varios grupos de "progresivo barroco" sin demasiado éxito, entre ellos Renaissance (del cual fué su fundador) o como productor en grupos como Medicine Head y a la altura de 1975 decidió hacer algo diferente, su proyecto más ambicioso así que se juntaron estos varios buenos músicos, ex-miembros de Renaissance, Rod StewartAllman BrothersCactusRick Derringer,  Captain BeyondSteam Hummer y Johnny Winter..  para hacer esta maravilla de disco. Estos músicos ¿Qué tenían en común? Todos ellos eran prodigiosos pero "fracasados" no conseguían abrirse camino al éxito, a gente como Relf se le pasaron las uvas a mediados de los 60s, no encajaban demasiado, su historia recuerda un poco al primer vocalista de Deep Purple Rod evans que precisamente también acabó en Captain Beyond. Grupos formidables pero con una música tan buena, tan conceptual, temas largos que no tenía apenas radiodifusión, no cuajaba y menos con la reciente llegada de la era del Glam y la New Wave. Eran temas además con muchos efectos sonoros y sin músicos de sesión lo que hacia complicado tocarlos en concierto como en el caso del primer disco de Motörhead "On Parole" del que ya hablé el año pasado y con una situación muy parecida a la de este album, auqnue el mayor problema que tenían en resumen era primero el año en que salió y segundo el tipo de música.

Estos músicos decidieron hacer Armageddon en 1974 y solo pudieron sacar este lp porque desgraciadamente Keith Relf(vocalista) murió electrocutado con un amplificador de guitarra en 1976 (a veces hizo de guitarra rítmico y bajista) malísima suerte, una jodida pena porque si escucháis este album, ..este album es.. como diría yo... tiene algo mágico. Engancha mucho, es muy bueno, tiene rock espacial (progresivo+psicodélico)blueshard rock, podría ser considerado heavy metal también, buenos solos de guitarra, muchos efectos, es conceptual (toda la temática gira entorno al apocalipsis nuclear y la guerra fría), su música es como si mezcláramos a un montón de grupos buenos de principios de los 70s, Es un album que llegó un poco tarde pero justo a tiempo..  cito un párrafo que me gustó mucho del blog amigo "mojo risin' sound" que fué el que me dió a conocer por primera vez esta maravilla:

"En las entrañas del disco te vas a encontrar un Hard Rock Progresivo con alma de BluesRock, guitarreo bueno con un punto lisérgico y en algunos temas una armónica de esas que aparecen cuando crees que no podría ser mejor. El disco me pone mucho, sin querer desmerecer el resto del disco tengo que decirte que la parte que mas me pone es la final, esa suite que empieza en el quinto tema hasta que cierra el disco y que es un no parar de guitarras ácidas metiéndose en tu cerebro y recordándote por que amas esta música.Bueno ahora llego tu momento, espero que disfrutes del disco.
Salud y Rock'n'Roll para tod@s!"

FULL ALBUM


La verdad la temática del álbum es fantástica, es muy retrofuturista y la música también, su música hace que te den ganas de desempolvar tu colección de comics de cimoc y zona 84 del armario para sumergirte de nuevo en esa ciencia ficción que leías y soñabas siendo un mocoso jajajaja
El mismo año que salió ese disco se estreno una película muy buena que me recuerda mucho la verdad a este album "A boy and his dog" (2024 Apocalipsis Nuclear en español)
 la recomiendo, quien sabe si esta gente se inspiró en esa película para la temática del album que estaba en pleno rodaje a finales de 1974 y cuya banda sonora esta compuesta por Ray Manzarec de los doors, una historia basada en un relato de ciencia ficción del mismo escritor que Terminator, una temática que además estaba muy de actualidad en esos entonces, el miedo a la autodestrucción nuclear mutua de los bloques. Además se acababa de perder de forma definitiva la guerra de Vietnam que junto con otras movidas como la crisis del petróleo y otras guerras que estaban empezando hacían que ese pesimismo calara mucho en la sociedad, pero la movida del heavy obviamente iba a aprovechar todo esto para sacar buenos discos y buenas canciones jajaja digamos que este album podía haber sido un "Paranoid" de salir en 1970, pero no es tan pesado, es más bien orientado hacia el rock espacial, aunque yo lo considero también heavy metal porque tiene suficiente potencia.

SILVER TIGHTROPE
El tema más precioso del disco, en serio es realmente bonito, me recuerda mucho a Génesis, la experiencia de Keith Relf en Renaissance y en el mundo de rock progresivo como el resto de los miembros hicieron posible esto. También tiene bastante influencia de Yes en la guitarra.
Esta me recuerda más todavía a Génesis, si es que parece Peter Gabriel jajajaja


Imaginad esta música sonando en una cantina de Tatooine.




Keith Relf - lead vocals, harp, harmonica
Martin Pugh - electric and acoustic guitars
Louis Cennamo - bass, electric bowed bass
Bobby Caldwell - drums, backing vocals, piano, percussion
Nada de músicos de sesion, ellos lo hacen todo y todos los efectos.

A1 Buzzard 8:16
A2 Silver Tightrope 8:23
A3 Paths And Planes And Future Gains 4:30
B1 Last Stand Before 8:23

Basking In The White Of The Midnight Sun
B2.a Warning Comin' On 1:02
B2.b Basking In The White Of The Midnight Sun 3:07
B2.c Brother Ego 5:13
B2.d Basking In The White Of The Midnight Sun (Reprise) 2:02



*Existen también otros Armageddon como los Texicanos de 1969, Armageddon alemán de 1970 o Armageddon tema de Dogfeet de 1970 también de esta época, luego hay unos armageddon banda de death metal moderna o algo así, pero los otros armageddon antiguos también merecen la pena oírlos, no tan buenos como estos pero con sonidos de blues psicodélico y hard rock. Podeis obtenerlos buscando en el enlace original de mi blog que teneis justo al principio.


Respecto al LP imposible de conseguir, pocos ejemplares, solo ediciones originales inglesas y americanas, mínimo 50€ porque con los gastos de envío, el que yo tengo encargado que lo voy a comprar en España es además una edición promocional de estas que se usaban para la radiodifusión, respecto al disco en sí A&M Records, esta prensado en 180 gram, la funda de papel viene también ilustrada con las letras de los temas y demás.


Salurocks!! y buen finde, recordad estar preparados para cuando llegue el apocalipsis nuclear, preparad las planchas de plomo para proteger vuestra colección musical jajajaja

Keith Relf
DEP













Syd Barrett, El Loco Que Cambió El Rock.

SYD BARRETT. EL LOCO QUE CAMBIÓ EL ROCK.- En principio, todos los estilos musicales son para baila...

SYD BARRETT. EL LOCO QUE CAMBIÓ EL ROCK.-

En principio, todos los estilos musicales son para bailar, pero posteriormente los músicos van adquiriendo conciencia de su importancia como compositores o instrumentistas y se van complicando de forma que su música se vuelve elitista y para escuchar. Por lo que tiene que surgir otro estilo para que los jóvenes se diviertan bailando.
A principios del siglo XX los grandes directores de orquesta europeos viajaban por Norteamérica con una propuesta de música culta que difícilmente era digerida por el gran público. Por eso, los jóvenes americanos tuvieron que adoptar para sus bailes el nuevo ritmo que habían inventado los negros, el Jazz.

Prácticamente toda la música popular de la primera mitad del siglo XX eran, o versiones de músicos negros o adaptaciones aligeradas para blancos con influencias de la música tradicional (folck, country etc). Pero el Jazz también tuvo su evolución y a finales de los cuarenta, grandes como Parker, Gillespie, Davis, y Coltrane iniciaron la revolución del be-bop, lo que convirtió al jazz en una música para melómanos entendidos. Y para que la gente pudiera seguir bailando, en la década de los 50, la segunda división de los jazzman inventó un nuevo estilo, acelerando el ritmo a las notas del blues, al que llamaron Boogie-woogie y posteriormente Rock & Roll, cuando incorporó el aspecto blanco del country.


A finales de los 50 y principios de los 60 el Rock & Roll traspasó la frontera de los negros, se popularizó entre los jóvenes blancos y, gracias a las radios, llegó prácticamente a todo el mundo occidental, convirtiéndose en la seña de identidad de los jóvenes. Nunca antes un estilo musical fue tan influyente y universal.

También el rock se hizo adulto en la segunda mitad de los 60. Llegó la psicodelia que derivó en el rock progresivo y demás estilos que son los que mayoritariamente tratamos en nuestro blog. Por lo que la historia se repite y ésta, nuestra música favorita, se volvió elitista y pretenciosa, para melómanos como nosotros. Por eso, en los años 70 tuvo que popularizarse la música Disco, los jóvenes tienen que seguir bailando.


Es de este cambio del que os quiero hablar porque considero que es el más brutal que se ha producido en la historia de la música. ¿Cómo es posible un cambio estilístico tan grande en tan poco tiempo? ¿Cómo puede ser que una misma gente, a la que llamaremos genéricamente roqueros, pase de hacer o escuchar un Rock & Roll como “Roll over Beethoven” de Chuck Berry en 1956, que versionaron The Beatles en 1963, a “Atom Heart Mother” de Pink Floyd en 1970, con grupo de rock, orquesta y coros? En 14 años, pasaron de las 3 notas del blues a la mayor complejidad posible, incorporando música electrónica, clásica de vanguardia y ruidos.

Precisamente en nuestro blog venimos hablando de este asunto continuamente y sabemos que el gran cambio se produjo gracias a muchos factores. Es evidente la gran influencia de The Beatles. La introducción del sitar por parte de Harrison, el avance del “Revolver” en 1966 y la gran explosión que supuso el “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band” en 1967.

También tenemos que reconocer la importancia de Jimi Hendrix, que estableció la distorsión y la importancia del solo de guitarra; equiparando los instrumentos a la voz en el rock. The Beach Boys con su disco “Pet Sounds” y su single “Good Vibrations”, de 1966, toda una experimentación con orquestaciones, vibráfonos y sonidos electrónicos sobre sus juegos de voces.

Y, The Moody Blues con su gran disco “Days of Future Passed”, donde el pop se maridó con una gran orquesta sinfónica. Y el gran invento que supuso el melotrón para pasar el sonido de la orquesta a los directos. Consiste en un sintetizador con notas pregrabadas de vientos y cuerdas. A partir de esa aportación los teclados no sonarían solamente a piano y a hamond.
Pero lo que realmente cambió el norte de la brújula del rock fue la aparición del primer disco de Pink Floyd, “The Piper at the Gates of Dawn” en agosto de 1967.
El grupo nació como todos los grupos de la movida mod de mediados de los sesenta, que reivindicaban a los bluesmen negros americanos, en oposición a sus hermanos mayores los rockers, que emulaban a los roqueros de los años 50 tipo Elvis.

Precisamente el nombre lo sacaron de la combinación de los nombres de dos músicos de blues: Pink Anderson y Floyd Council. Lo formaron unos amigos estudiantes de arquitectura en Londres. Syd Barret, guitarra y voz principal; Roger Waters al bajo; Richard Wright al teclado, y Nick Mason a la batería.
                   
Cuando ya dominaban la versiones de blues y pensaron en componer sus canciones ya había salido el “Revolver” y la psicodelia atrapó a Syd, que era el líder del grupo. Grabaron algunos singles y se hicieron muy famosos en la escena underground londinense, tocando en algunos clubs con una escenografía novedosa, con proyección de diapositivas, efectos estroboscópicos de luces, a lo que añadían hipnóticas improvisaciones de música electrónica que empalmaban con los temas pop que Syd componía.
Consiguieron grabar el disco en los estudios Abbey Road, incluso pudieron coincidir con las mezclas de Sgt. Peper´s, que salió dos meses antes. Pudieron coger algunas ideas del “Peper´s”, como el efecto repetitivo del final del tema “Bike” o las orquestaciones circenses de “Jugard Blues” (tema que no entró en el disco y se dejó para el siguiente). Pero el sonido etéreo de “Astronomy domine”, el alargar un tema a mas de 8 minutos con improvisaciones y ruidos como “Interestellar Overdrive” o el tono siniestro y pueril de “The Gomme”, era algo que no se había escuchado hasta entonces. Se permitían hacer un solo jazzístico de piano para seguir con sonidos de película de terror conseguidos con instrumentos de rock. Así mismo, las letras de sus canciones eran muy surrealistas con temas filosóficos.
Las canciones, en realidad, no tienen la calidad de “A day in the life”; “Lucy in the sky with Diamond” (Beatles); “Good Vibrations” (Beach Boys); “Shes a Raimbow” (Rolling Stones) ni “Nigthts in white satin” (Mody Blues). Las grandes canciones de Pink Floyd llegaron algunos discos después, ya en los años 70. Pero a veces en el rock, tan importante es el continente como el contenido. Y este continente supuso el camino que abrió la mente y marcó el devenir de la música de los 70.

El disco fue muy bien acogido en Reino Unido y llegó al número 6 en la lista de LPs. Gracias a él telonearon a Jimi Hendrix en su gira europea de 1967.
Posiblemente el genio visionario de Syd se debía a un pequeño grado de locura que se acrecentaba con el habitual consumo de LSD de los psicodélicos de la época. Pero su frágil mente no lo pudo resistir, y se quedaba catatónico en algunos directos. Como era el principal cantante y el guitarrista, el grupo no podía seguir sin él, poniendo en grave riesgo las giras.

Llamaron a un amigo de la infancia de Syd, David Gilmour, para que los apoyara con la guitarra y le sustituyera en caso de necesidad. Para enero del 68 Syd ya no podía seguir. Quisieron optar por la solución Beach Boys, donde Brian Wilson, aquejado del mismo mal, componía y no tocaba en directo. Pero su mánager y su discográfica no les dejo; todavía no eran unas estrellas como los californianos. Además, las composiciones de Barret se hicieron cada vez más locas y absurdas. Abandonó totalmente el grupo en abril del 68.

Pink Floyd siguió su exitosa carrera conducidos por Roger Waters y con las composiciones de Waters, Gilmour y Wright y cantando cada uno sus canciones. Syd Barret grabó algunos discos en solitario hasta el año 70. Le solían ayudar Gilmour y Wright, sus mejores amigos. Estas grabaciones siguen la línea del Pink Floyd original y algunas melodías esbozadas por él las incorporó Gilmour en algunos temas suyos para el grupo.

Fueron perdiendo el contacto con él, ya que se quedó a vivir en casa de sus padres con una pensión de minusválido. Corría el año 1975 y el grupo grababa su nuevo LP. Se presentó en el estudio un tipo gordo y calvo que no reconocieron. Era Syd, que en un momento de lucidez, había decidido visitar a sus antiguos amigos. Aquella visita les marcó tanto que Waters y Guilmour compusieron en su honor, su mejor y más melancólica canción “WISH YOU WERE HERE”.

Cecilio Aguilera Nieto.
                                                                         

Bulbous Creation - You Won't Remember Dying (1970)

Esta es mi primera entrada en el blog de mi amigo Sergio Bujez Fernández, quien me invitó a colabora...

Esta es mi primera entrada en el blog de mi amigo Sergio Bujez Fernández, quien me invitó a colaborar por acá. Esta reseña fue publicada hace ya bastante tiempo en mi blog OutsideInside Music donde se pueden descargar el disco.
Los Bulbous Creation son una banda tanto legendaria y de culto entre los fans del heavy psych, hard rock y rock psicodélico como misteriosa, pues hasta la fecha no se dispone de mucha información más que una que le proporcionó el ex-bajista del grupo al Heavy Psych Man (cheers dude!) en su mencionado blog y que este disco fue grabado en los Cavern Studios en Kansas por allá en 1970, en el mismo estudio y mismo año en el que grabaron sus respectivos trabajos los Stoned Circus (próximamente serán reposteados) y los Wizards from Kansas.

"You Won't Remember Dying?" fue publicado por primera vez en 1994 por la disquera texana Rockadelic, misma que se ha dedicado a rescatar delicias psicodélicas sesenteras y setenteras que no se habían publicado antes, aunque había algunas excepciones como con Bolder Damn, Kennelmus, Kath, Three Souls in my Mind, The Survival y los Estes Brothers. Rich Haupt se dedicó a rescatar cintas perdidas de grupos de aquellas épocas y a publicarlas únicamente en LP, y este disco fue una de ellas.

"You Won't Remember Dying?" es un disco de heavy psych hecho y derecho con influencias directas del blues-rock y hasta del garage de los 60's, con guitarras pesadas y lisérgicas que en ocasiones pueden sonar a Eric Clapton, Jimi Hendrix, Alvin Lee (hasta incluyen un cover de Ten Years After), John Cipollina, Stacy Sutherland o Jerry García, además de incluir letras con referencias sobre el Chamuco (Satanás, para los que no entiendan los regionalismos mexicanos), el ocultismo, las drogas y la guerra de vietnam.

El disco empieza con "End of The Page", una tranquila, pero obscura y siniestra balada con letras satánicas con una voz que en ocasiones nos recordará a Eddie Vedder de Pearl Jam, y que quede claro que no es un anacronismo más como los que incluí en reseñas anteriores, pero el vocalista tiene la voz igualita, un barítono obscuro y heavy. Por otro lado, he visto que varios se cagan de miedo con la falsa grabación del grupo italiano Jacula, la cual seguramente fue grabada en los 80's, pero este tema definitivamente a pesar de ser ligerito es mucho más macabro que cualquier cosa de Jacula, hasta a mí me da cosa escucharlos a estas horas de la madrugada (jajajajajaja).

Viene "Having a Good Time" que no es más que un cover de "Sugar Road" de Ten Years After, el cual es mucho más heavy que el original, además de que el guitarrista enraizado en la psicodelia gringa de los 60's y el vocalista le dan un toque único y especial. Una de las preferidas de su servidor.

Le sigue "Satan" que como lo dice el título, es un tema con letras explícitas sobre el güey de las tinieblas. Musicalmente sigue la corriente del tema anterior, osea, es heavy psych con liras no muy sucias, sin llegar a sonar a proto-stoner o a cualquier cosa de esas, sin embargo el tema es muy obscuro y siniestro, tal vez ni Black Sabbath sonaron tan tétricos en esos momentos.

Llega "Fever Machine Man", grabada por la segunda alineación del grupo, con un vocalista con una voz más aguda y clara, que me sonó como a una combinación del primer vocal con Pete Bailey de Josefus, además de que el guitarrista empieza a ensuciar su lira a partir de esta rola, donde al parecer le añade una cajita de efecto Fuzz. Mientras que la composición sigue teniendo esa atmósfera macabra de las otras canciones.

"Let's Go to The Sea" otra vez la primera alineación, la cual dura más de ocho minutos y aquí el guitarrista se deja llevar por las pirotecnias guitarreras de Hendrix, pero recalco, de una manera más sombría y siniestra, mientras que la música sigue también la linea de los temas anteriores. Otro de los temas favoritos del Guajolote.

Y se viene "Hooked", otro tema con la segunda alineación, esta vez el riff principal nos recordará a "Kingdom Come" de Sir Lord Baltimore, pero más malévolo, además de que el tema en sí es más lento que la mencionada de los neoyorkinos. Otro favorito.


Le sigue "Under The Black Sun" que no sé exactamente en qué grupo se inspiraron, pero aquí me suena a que pudieron tomar algo del estilo de Deep Purple o Uriah Heep, obvio sin llegar a sonar progresivos como estos últimos, mientras que las guitarras siguen con ese pesado y lisérgico fuzz.

Y para cerrar con broche de oro, viene un cover, "Stormy Monday" de T-Bone Walker, en donde regresa la primera alineación y además, el grupo muestra su lado más blusero. Y en sí el tema, es blues eléctrico del más lisérgico, como el cover de "I Hear You Knocking" de Quicksilver Messenger Service, "Viola Lee Blues" de Grateful Dead y sobretodo, la viajada y etérea "Kingdom of Heaven" del primer disco de los 13th Floor Elevators, a los cuales llegan a sonar muy similares, sobretodo por el guitarrista que en varias ocasiones me llega a recordar al gran Stacy Sutherland.
Un discazo y una extraordinaria labor de parte de Rich Haupt por rescatar a esta banda del anonimato, al igual que con Joshua, Sudden Death y Cold Sun, totalmente recomendado a los que gusten de grupos como Bolder Damn, Stonewall, Frijid Pink, Bedemon, Josefus, Iron Claw, B.F. Trike, The Flow y los mencionado Sudden Death, además de que incluso se lo podría recomendar a los fans de los 13th Floor Elevators.
                       
                                  

Attila - Attila (1970)

Attila - Attila (1970) Billy Joe se alzó a la fama moderada por medio de realizaciones cercanas al...

Attila - Attila (1970)

Billy Joe se alzó a la fama moderada por medio de realizaciones cercanas al "pop" y el "soft rock" extensamente vinculado a lo docto, pero pocos son los que conocen sus primeros pasos sobre la música de contracultura.

Con un sólo proyecto denominado "Attila", liberó en 1970 junto a su compinche "Jon Small", el único y homónimo registro discográfico del dueto, abocado al heavy psych como cariz preferente... un trayecto de 40 minutos plagado de pasajes virtuosos y agresivos.

Cuenta la leyenda que Billy avistaba un propósito arduo e ilustre capaz de erigirse como un acetato relevante dentro del panorama de la dureza emergente y consabida. Así es como paulatinamente aglomera a multitud de músicos que pululaban por New York entre escenas de vanguardia, siendo una ingente cantidad de ellos, rechazados tras no aportar eficientemente su valía entre bambalinas.

Finalmente, el pequeño John logró contrarrestar con firmeza el requerir de Joel formulando un pacto común sin posibilidad de optar por una incursión foránea.

El 27 de julio del septuagésimo año, el acetato debut ya era distribuido entre las tiendas discófilas más afamadas, suponiendo una gran aceptación dentro del reducido juvenil, adeptos a la emergente solidez del momento.

El éxito supuso tensiones, que ligado a la consternación de los pocos actos en vivo y el perseverante coqueteo de Elizabeth Weber (novia de John) con Billy (el mismo que finalmente la acabaría usurpando), ocasionó la ruptura irreconciliable entrambos, hasta un tiempo relativamente cercano.
Como curiosidad, Billy Joel citó su labor como "Psychedelic Bullshit", detallando consecutivamente los exiguos rasgos en los procesos espontáneos (directos) que contenían;

"End of the sixties, I was in a two-man group. We were heavy metal, we were going to destroy the world with amplification, we had titles like 'Godzilla', 'March of the Huns', 'Brain Invasion'. A lot of people think [I] just came out of the piano bar... I did a lot of heavy metal for a while. We had about a dozen gigs and nobody could stay in the room when we were playing. It was too loud. We drove people literally out of clubs. 'It was great, but we can't stay in the club'".
Billy Joel, Interview with Billy Joel by Dan Neer in 1985.


"Finales de los sesenta y yo estaba en un grupo de dos hombres. Nosotros éramos heavys metaleros, íbamos a destruir el mundo con los amplificadores, tuvimos títulos como 'Godzilla', 'March of the Huns', 'Brain Invasion'. Mucha gente piensa que acabo introducirme en el piano, pero yo hice heavy metal durante un tiempo. Tuvimos una docena de conciertos y nadie podía estar en la habitación cuando estábamos tocando. Era demasiado alto (volumen). La gente nos condujo, literalmente, fuera de los clubes. Fue muy bueno, pero no pudimos permanecer en el club".

Billy Joel, entrevista con Billy Joel por Dan Neer en 1985.

                       
Tras las declaraciones, grandes conocedores del género se enfrentan en la defensa de Attila, dos corrientes contrapuestas mecen sobre su valía... el peor álbum del rock para muchos y excelso e insuperable para otros, siendo ésta última mi más posición subjetiva.


Como datos categóricos se deben de señalar la aptitud e ingenio instrumentista del dúo, adaptando el Hammond bajo líneas de bajo y guitarra mientras John golpea feroz que no indebidamente los parches a candencia sincopada... monumentales destellos de jazz y blues se hallan en un fundamento egregio.

Valoración íntegra y unitaria = 9.





Indian Summer - Indian Summer (1971)

Esencial en la impronta progresiva británica, "Indian Summer, único y homónimo registro del cua...

Esencial en la impronta progresiva británica, "Indian Summer, único y homónimo registro del cuarteto de Coventry;


Formación;

Malcolm Harker; Bajo.
Paul Hooper; Batería.
Bob Jackson; Teclados y voz.
Colin Williams; Guitarra.

Dichosos sean los mismos, pues tras la premura fundación datada en el 1969, Harker, de progenitores inmiscuidos en la industria discográfica, (del que ellos hacían participes en el registro y promulgo de lo concurrido tras los numerosos ensayos y bolos a lo largo del todo el terruño londinense; universidades, escuelas, espacios de trabajo apropiados para tal objetivo), contactaron con Jim Simpson, mánager del entonces bisoño "Black Sabbat", incentivando a los mismos en la interacción y coalición de tablas compartidas.

A menudo Indian Summer abrían los recitales de los consagrados, aunando entre los partícipes cuantiosa multitud de temas, que precisaban del perfilado cabal de algún grande ingeniero de la época.

Es así pues, como Simpson pone a su disposición una amplia gama de elenco musical para el sellado del esbozo inconcluso, RCA sería la meca, el lugar nimio de peregrinación capitaneado por Olav Wyper (ex Vertigo Record), subsidiados por Rodger Bain, excelso productor, obrador imparcial bajo denominación homogénea en el primer lanzamiento  del susodicho "Sábado Negro".

Mientras tanto, "Verano Indio", divergía acontecimientos entre el público, cual tan clamor, le tenían poco estima,… viceversamente-mutuo hablando, pero subsistiendo de manera ardua el devenir del futuro, cubriendo lo inapelable ineludible... necesidades perentorias que habían que nutrir, y a su vez, la composición de novedosas armonías emergían paulatinamente entre la formación omnisciente, sin ver la salida aún, su primer soporte físico de tiempo extensivo.
                       

Tras la gira final de ambas bandas en suiza, (perdiendo todo el exiguo aporte monetario que habían recibido, en el gasto de trasporte a casa... se dice que llegaron a tierra natal con tan sólo una bolsa de patatas fritas) finalmente la manumisión (y nunca mejor dicho) fue abrupta;

Colin Williams desertó para formar una empresa en la industria del motor.
El padre de Harker se eximía en un futuro cercano de su cargo como dirigente del estudio de sonido, debido a su avanzada edad, el puesto tendría que ser postergado.

Paul Hooper y Bob Jackson instauraron la agrupación, "The Dodgers", con la que liberarían un álbum, después de su escisión de miembros constante, y aún más la permisión de mutación de nombres sucesivos, tras proyectos alternos del teclista en solitario y en colaboraciones con estrellas punteras del momento; Badfinger, Uriah Heep... entre otros.

Indian Summer, se liberó en 1971, una vez dicotomiados los íntegros componentes.


Federico Mompou - Impresiones íntimas (1911-1914).

Federico Mompou - Impresiones íntimas (1911-1914); El canon de la belleza introvertida. Como Ba...

Federico Mompou - Impresiones íntimas (1911-1914); El canon de la belleza introvertida.


Como Barcelonés en el álgido destello precedente del "objetivismo", (corriente musical de la que todo ejecutante de la época erigía su carrera hacia el renombre clásico patrio), es bien sabido que Mompou estudió en España, fuera de los márgenes impuestos, eludiendo las colaboraciones del entorno compatriota, hecho que suscitó un carisma innato que difícilmente es confundido.


Su primera obra "Impresiones íntimas" se publica en parís, entre 1911 y 1914, fomentada en su día por "Émile Vuillermoz", acérrimo divulgador del periodismo musical que vivificaba el novísimo "impresionismo"... en su quehacer de pesquisa, contractaba hacia la carga elocuente del influjo por parte de "Gabriel Fauré", haciendo de ello, numerosas citas sucesivas, destinadas a sus artículos periodísticos esenciales;                                                                                                                   


¿Su música?, claramente basada en piezas populares, por así decirlo "nacionalistas", hallando en el poema de San Juan de la cruz, su tótem sustancial, primordial vínculo a la "armonía callada", pero íntegramente diverge su punto de interpretación en un preclaro desdeño ante cualquier similitud entre facciones armónicas... es decir, único en su materia objetiva, de gran dote carismático que lo relevan en esta nuestra acostumbrada España, a un espacio de menor radio.

Impresionismo minimalista bajo un rico acervo de duende y color, todo ello y mucho más remarcan sus preludios armónicos, íntegros destinados al ámbito pianístico con intrínseco sentimiento de añoranza y melancolía.

                             Émile Vuillermoz al liberar "impresiones Íntimas"; "Mompou está influenciado en el Folclore Español, pero con una personalidad aplastante".



Lista de canciones;

1-I (0:57)
2-II (2:11)
3-III (0:35)
4-IV (1:38)
5-Pájaro Triste (2:43)
6-La Barca (1:46)
7-Cuna (3:13)
8-Secreto (2:28)
9-Gitano (2:28)


(En FLAC... no lleva pass).




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